“Las líneas que nos dividen son los espacios que compartimos. Calzadas, caminos, entradas y muros. Son los límites que separan nuestros hogares, pero también las zonas intermedias que utilizamos y atravesamos”.
Thomas Locke Hobbs, L.A. Vedute, The Eriskay Connection, 2023
L.A. Vedute de Thomas Locke Hobbs, es un estudio documental de la arquitectura doméstica realizado en la ciudad de Los Ángeles. El proyecto comenzó tras un paseo por East Hollywood. Parado en la línea de propiedad de dos edificios de apartamentos con entradas adyacentes, poneidno especial atención al espacio entre ambos, Hobbs ecordó un cuadro: La ciudad ideal de Urbino, de un artista renacentista desconocido y famoso por la perspectiva óptica lineal que muestra la ciudad en su grandeza, con ausencia total de gente.
Utilizando una cámara de gran formato y un encuadre rigurosamente coherente, Hobbs empezó a recorrer las calles de la ciudad buscando representar el espacio negativo entre edificios vecinos. La obra presenta el modo en que los espacios compartidos retroceden hasta crear un punto de fuga compartido. Esos espacios están en gran medida despoblados y desiertos, como si fueran decorados de cine en los que los actores han desaparecido.
L.A. Vedute es el libro que reúne esta serie, exponiendo las venas de una ciudad, en conflicto y coexistencia, como apelando a un olvido poético. Las fotografías que aquí se ven son metáforas de la alienación.
Hace unos meses, Thomas visitó Bogotá y nos dio la oportunidad de ver el libro por primera vez. Nos pareció interesante compartir la conversación que surgió a raíz de este encuentro.
Conversación
P.D.F.: Me pareció muy interesante lo que le dijiste a David Campany en tu entrevista sobre tus fotos. Para ti, los espacios entre los edificios son interesantes porque es una forma de cumplir un falso ideal suburbano. Entre los edificios se crea un espacio compartido involuntario que se asemeja a algo comunitario pero que no se utiliza ni se reconoce como tal. Viéndolos así, de frente, uno tiene la impresión de enfrentarse a innumerables callejones sin salida, que separan en lugar de unir. ¿Crees que este proyecto es un poco antitético a Ed Ruscha? Lo digo porque en su libro Every Building on the Sunset Strip, publicado en 1966, hay una sensación de fluidez, de conexión entre los edificios. Es como si los huecos de los que usted habla no existieran…
T.L.H.: Me interesa cómo se relacionan los edificios en las ciudades. Tradicionalmente, en las ciudades los edificios se tocan. No fue sino hasta principios del siglo XX, con el establecimiento de las primeras leyes de zonificación y las consideraciones sobre los efectos saludables de la luz, el espacio y la ventilación, cuando se impusieron estos espacios huecos entre edificios. En el caso de Los Ángeles, parece que estos edificios de apartamentos aspiran integrar jardines y espacio a pesar de ser bastante densos y urbanos, en lugar de construir callejones sin salida. De hecho, esos lugares me hicieron pensar más en las calles urbanas tradicionales que en las propias calles, que suelen ser anchas y bajas.
En cuanto al Sunset Strip de Ruscha, tienes razón. De hecho, ahora mismo he tenido que buscar un vídeo del libro en YouTube para recordar su aspecto. Sunset Strip, tal y como existía en 1966, era un revoltijo de edificios de antes y después de la guerra construidos bajo diferentes regímenes de zonificación con, a mis ojos, poca conexión o fluidez entre ellos. Es una franja comercial típicamente sombría y de baja densidad, azotada por el sol del sur de California. En la medida en que hay conexión y fluidez en el libro de Ruscha, es el resultado de cómo lo fotografió, como una única y larga imagen panorámica y lo presentó en el libro, en formato acordeón. Yo no diría que mi obra es necesariamente antitética a la de Ruscha. Ciertamente es formalmente opuesta en varios parámetros; las fotos están contenidas en lugar de desenrolladas, están nubladas en lugar de iluminadas por el sol. Me interesan más los detalles concretos que las amplias panorámicas. Dicho esto, algo que realmente me interesa de los fotolibros de Ruscha es su unión de contenido y diseño. Al publicar el libro con The Eriskay Connection, mantuve conversaciones con Rob van Hoesel, el diseñador, sobre cómo detalles como la maquetación, el tamaño y los materiales podían apoyar la obra y convertirla en un objeto propio, en lugar de ser una simple presentación de las fotografías. En ese sentido, creo que hay una clara influencia de Ruscha, aunque no sea inmediatamente evidente.
PDF: En este diálogo, Campany habla de la asimetría que ve en algunas de las intersecciones entre edificios y dice que a veces tus fotografías parecen fotomontajes de lo fuertes que pueden ser los contrastes entre las construcciones. Me gustaría saber si después de recorrer Los Ángeles durante mucho tiempo te has hecho una idea propia de lo que son su arquitectura y su urbanismo. ¿Cómo los describiría?
T.L.H.: Creo que no se reconoce lo densas y urbanas que son algunas partes de Los Ángeles. Siempre me ha gustado la densidad en los entornos urbanos y parte de mi deseo al trabajar en este proyecto era observar y representar cómo se expresa esa densidad en Los Ángeles. Hay toda una serie de gestos hacia los suburbios, como las separaciones obligatorias entre edificios, el paisajismo y los estilos de decoración. Parecen querer ocultar el hecho de que se trata de edificios de apartamentos, no de casas independientes. Creo que también es importante señalar que hice estas fotos mientras caminaba. Son escenas que vería un peatón. Quizá sea un contraste interesante con Sunset Strip de Ruscha, que se hizo desde un coche y fotografiando los edificios con una tira continua de película. En realidad, varias de las fotos de L.A. Vedute se hicieron en las inmediaciones de Sunset Strip en West Hollywood, en varias calles residenciales norte/sur entre Santa Monica Blvd. y Sunset.
Creo que el efecto de fotomontaje que mencionas depende en parte del diseño del libro. Para hacer las fotos, me situaría exactamente en la línea de propiedad entre dos edificios, y haría que ese fuera el centro o el punto de fuga de la imagen, de modo que cada mitad de cada imagen es un edificio. En lugar de mostrar los edificios como unidades enteras, son fragmentos, empujados hacia los bordes del encuadre. Visualmente, me gustaba cómo quedaba y cómo resaltaba las relaciones entre los edificios, más que sus arquitecturas. Rob y yo decidimos que las imágenes cruzaran la cuneta, para esconder deliberadamente la cuneta en cada pliego. Esto hace que cada foto parezca un collage de dos imágenes diferentes. De hecho, las hojas sin plegar que salieron de la imprenta, con una mitad de cada imagen, se parecen mucho a las imágenes reales del libro.
P.D.F.: Las imágenes que propones en el libro nos muestran una ciudad muy diferente de la que conocemos por el cine. Se siente la violencia de esa superposición de espacios habitados y el predominio del espacio privado que no se abre al exterior sino que está protegido y cerrado al interior. Esa sensación de encierro la aportan un poco estos acercamientos que haces con sus puntos de fuga donde la mitad de la imagen parece rasgada por el muro que separa las dos propiedades. ¿Crees que tomar fotografías en blanco y negro sin ninguna persona en ellas resalta estos dos aspectos? ¿Cómo decidió seleccionarlas y secuenciarlas para el libro?
T.L.H.: Me inspiré en la fotografía antigua de escenas callejeras del siglo XIX y principios del XX, como las imágenes de Charles Marville, Thomas Anan y Eugene Atget. La idea del proyecto surgió cuando me di cuenta de que un camino me recordaba a un callejón de Atget y pensé en lo extraño que era que me recordaran a Atget, famoso fotógrafo de París, precisamente en Los Ángeles. La decisión de fotografiar en blanco y negro, y con una cámara de gran formato, surgió del deseo de imitar la estética de esos fotógrafos anteriores. También decidí fotografiar únicamente los días nublados o con niebla. Los Ángeles rara vez, o nunca, se muestra nublada. De hecho, al estar situada junto al océano, suele haber niebla, sobre todo en primavera. Es mi clima favorito. Para mí, parte de este proyecto consistía en rescatar esos aspectos de Los Ángeles que me gustaban: pasear por barrios densos, la capa marina. En cuanto a la secuencia, se pasa gradualmente de los caminos a los paseos y luego a los callejones. La secuencia se interrumpe ocasionalmente con fotografías de carritos de compra abandonadas en el río de Los Ángeles, impresas en otro tipo de papel, de color amarillo.
P.D.F.: En el libro editado por The Eriskay Connection esos carritos de mercado abandonados impresos en amarillo rompen de cierto como con la monotonía. Son como alertas de nuestra propia descomposición programada, como el registro de una ruina moderna. Esto me hace pensar mucho en algunas fotos de Anthony Hernández. Sé que le enviaste el libro y que ha sido un fotógrafo muy importante para ti. ¿Qué papel tienen estas imágenes para el conjunto del libro? ¿Y qué te dijo Anthony Hernández del libro?
T.L.H.: Las imágenes del carrito de la compra son de otro proyecto en el que estaba trabajando en aquel momento y que decidimos incluir en el libro. Las imágenes de los carritos de la compra me recordaban un poco a los objetos excavados en Pompeya y parecían encajar con estas ideas de ver la ciudad como una especie de ruina anunciada. Soy un gran admirador de Anthony Hernandez y su visión crítica y sin concesiones de Los Ángeles son, para mí, el documento definitivo de la ciudad. Le envié un ejemplar del libro y me devolvió una nota muy amable.
P.D.F.: ¿De dónde viene el título L.A. Vedute?
T.L.H.: Inicialmente quise usar la palabra ‘vedute’ para hacer referencia a las estampas Vedute di Roma de Giambattista Piranesi. Siento que hay una conexión entre la Antigua Roma y Los Ángeles en el sentido de que ambos representan una civilización caída. Mi amigo y artista Daniel Leivick describe Los Ángeles como una especie de término de la civilización occidental, tanto en un sentido geográfico, al estar en el borde de la placa norteamericana, como en un sentido cultural.
P.D.F.: Recuerdo que, durante la última exposición que hizo Lewis Baltz en Le Bal tuve la oportunidad de visitar su apartamento para hacerle firmar unos afiches ya que nadie quería dejar su sitio de trabajo para hacerlo y yo felizmente me ofrecí. Mientras él firmaba con mucha dedicación, intercambiamos algunas palabras. No sé por qué le pregunté que él qué pensaba de Blade Runner. Me dijo que era una película extraña porque pintaba a Los Ángeles bajo la lluvia cuando allá nunca llovía. Siempre me pareció un fotógrafo muy realista. Tú pareces aceptar un poco más que la fotografía puede proyectar estados de ánimo, ambientar lugares, crear formas de melancolía o de belleza que no vienen propiamente de nuestra cruda conexión con la realidad. ¿Hiciste estas fotos y este libro para poder convivir con Los Ángeles y sortear la tristeza de sus pasajes solitarios?
T.L.H.: Para mí, la tristeza es un día soleado en la playa.
P.D.F.: Gracias Thomas.
Web.
http://www.thomaslockehobbs.com/
Biografía
Thomas Locke Hobbs es un fotógrafo estadounidense. Recibió su MFA de la Universidad Estatal de Arizona en 2015. Entre el 2009 y 2011, Thomas estudió en los Talleres de Estética Fotográfica dirigidos por Eduardo Gil en Buenos Aires. Expuso su obra en Cuzco, Lima, Londres, Phoenix y en línea con Abrir Galería. Su libro, Maravilla del Mundo, fue pre-seleccionado para el premio Tinta.pe en Lima y fue seleccionado para el Festival ZUM en São Paulo. Desde que empezó a fotografiar ha publicado cinco libros, algunos de ellos son hechos a mano y hacen homenaje a los métodos de impresión y de encuadernación artesanales. Ha enseñado fotografía en la New York Film Academy e imparte talleres por todo el mundo.
PUNTO DE FUGA 