«Formas abstractas de cemento, arrastradas por el viento, ahogadas por la niebla, imágenes donde las fachadas densas y móviles se destacan, sin cimientos, sin cielo, como enormes fondos pintados de un escenario de teatro. Los actores, simples transeúntes, van y vienen en esta masa fluida donde la gente se mueve para vivir. Su apariencia es furtiva. Sus acciones se componen de simples gestos, reducidos a la coreografía del silencio ya la armonía del caos”.
Theo-Mario Coppola
“No hago nada y lo digo con tan poca vergüenza como satisfacción. Es el estado que más me conviene. Escribo un poema extraño cuando está allí, eso es lo único que vale la pena hacer. Hay un éxtasis de accidia, sin voluntad en un tumulto gris de ideas obscuras. Se acaba con la tentación de la luz, sus cortes y sus consuelos corteses. Es bueno para los niños e insectos. Hay un fin en decidirse, como elegir una libra de té, un fin en dar palmaditas a la mantequilla de la conciencia para dar opiniones. La conciencia real es el caos, una conmoción mental gris, sin premisas, conclusiones, problemas, soluciones, casos o juicios «.
Samuel Beckett, Las cartas de Samuel Beckett: Volumen 1, 1929-1940
«El silencio es como un suelo fértil, que, por así decirlo,
espera nuestro acto creativo, nuestra semilla».
Arvo Pärt, NPR, 2014
Harmony of Chaos es el más reciente proyecto fotográfico de Renato D’Agostin, donde la inmensidad de la imagen y su composición silenciosa nos lsubmerjen en el caos de la ciudad moderna de Shanghái. En esta serie fotográfica, Renato D’Agostin representa la vibración y la claustrofobia que se siente en las calles de esa inmensa metrópoli. Formas concretas, sombras y siluetas cubren las imágenes, dejando un registro polvoriento de la experiencia del fotógrafo en una ciudad posmoderna, más cercana al futuro de lo que jamás estaremos los sudamericanos. Más que un reportaje de la vida urbana, Harmony of Chaos es un retrato sensible de las impresiones del fotógrafo dejadas por una ciudad en permanente movimiento. Uno deja el libro con la sensación de estar solo en ese enorme laberinto de la ciudad, perdido y con la necesidad de encontrar en las imágenes cualquier objeto o calle común que pudiera devolvernos a nuestra simple propia condición humana. PUNTO DE FUGA decidió entablar una conversación con Renato D’Agostin para comprender mejor su compromiso con la fotografía y las razones que lo han llevado a cambiar su propio enfoque del medio.
Entrevista
P.D.F.: Renato, Harmony of Chaos es tu último trabajo publicado. Las imágenes fueron hechas en Shanghai. ¿Cómo influyó esta experiencia de la ciudad caótica en tu fotografía?
R.A.: La primera experiencia en una gran ciudad asiática fue en Tokio cuando estaba trabajando en lo que luego se convirtió en mi proyecto Tokio Untitled, alrededor de 2008. Ya en Japón sentí el impacto cultural de ser un extraño. El lenguaje, la cultura, la dinámica en general del lugar me llevaron a tener experiencias sensoriales que nunca antes había experimentado. Shanghái volvió a ser aún más diferente, con compresiones espaciales nuevas para mí y para mi fotografía. Tuve que cambiar mi alfabeto para traducirlo fotográficamente.
P.D.F.: Cuando hiciste fotografías en Shanghai, ¿tenías un protocolo específico o era algo más instintivo?
R.A.: La forma en que suelo trabajar en mis proyectos es agarrar mi cámara y enfrentar lo que me rodea. Luego, trato de componer el rompecabezas pieza por pieza. Es un proceso continuo que sólo se termina cuando siento que he cubierto los aspectos que estaba buscando. Trabajar en Harmony of Chaos ha sido de alguna manera diferente, al menos la segunda parte del proceso. Tomé las fotografías en 2012 pero luego, por alguna razón extraña, tuve que concentrarme en varios otros proyectos. Por lo tanto, durante varios años, esos negativos e impresiones permanecieron en cajas y no vieron mucho la luz. En 2018, decidí volver a esas fotografías e intentar encontrar una manera de impulsarlas a algo nuevo para mí que pudiera enfatizar los sentimientos que tenía allí años antes. Esto me llevó a usar negativos de los paisajes urbanos y exponerlos en la misma hoja de papel varias veces, tratando de alcanzar la densidad que quería experimentar en la impresión final. Entonces, diría que, para este proyecto específico, la primera parte del proceso fue instintiva, mientras agarraba mi cámara y caminaba por la ciudad, tomaba las fotos, mientras que la segunda parte del proceso, en el cuarto oscuro, ha sido más racional, centrándose en cómo pude alcanzar la profundidad que sentí en ese momento.
P.D.F.: La música es importante para ti. Una vez que se hacen las fotografías, hay un proceso experimental completo siguiendo el registro de la imagen que le permite ir mucho más lejos con una fotografía. El compositor estonio Arvo Pärt, y en particularmente su pieza musical Für Alina, te han permitido sumergirte en el proceso creativo de desarrollar imágenes y hacer secuencias para el libro. La música sagrada minimalista que Pärt ha alcanzado también ha sido muy influyente para mí, pero no en el mismo sentido. Lo único que podríamos tener en común es la experiencia de un contacto sensible y trascendental con la música. Durante muchos decenios, antes de que Arvo Pärt emigrara a Viena, estaba aislado del mundo y también de la política. El régimen de la URSS no apreciaba mucho sus experimentos modernos y religiosos con la música. Tengo la impresión de que tus imágenes tanto como su música son producto de un largo proceso de internalización de la experiencia del tiempo, el resultado de algún tipo de proceso de composición silenciosa donde la materia, los paisajes y el movimiento revelan sus formas sin otra intención que reflejar su presencia. ¿Es esto cierto?
R.A.: Estoy de acuerdo. Arvo Pärt ha sido una compañía en casi todos mis proyectos después de que descubrí su música. La poderosa fuerza y la sublime sutileza de sus notas, me han acompañado en varios momentos de creación. Encuentro su música, o al menos la música que escucho de él, lo más parecido al silencio, que considero es uno de los estados más difíciles de alcanzar, al mismo tiempo que se produce el sonido. Él dice de la composición que proviene de «La necesidad de concentrarse en cada sonido, para que cada brizna de hierba sea tan importante como una flor». Es decir, lo que trato constantemente de lograr con la fotografía, es que cada elemento, incluso el más aparentemente insignificante, pueda formar parte del conjunto, dándole la misma importancia a todas las cosas, trabajando en los detalles para crear el ritmo, el movimiento, la textura y la distancia en la fotografía. Für Alina, me ha acompañado en cada etapa final de la secuencia de mis libros, ya que encuentro que la distancia y la proximidad continuas de esas notas logran una perfección que refleja lo que dije anteriormente. Por lo tanto, siguiendo el ritmo de esa composición, sigo el ritmo de tonalidades, formas, significados en las imágenes y todo lo demás que creo que se requiere al componer una secuencia de fotografías, como palabras en la poesía o notas en la música.
Arvo Pärt- Für Alina
https://www.arvopart.ee/en/arvo-part/work/477/
P.D.F.: Este enfoque minimalista ha tenido una amplia gama de expresiones en la música. Por un lado, los compositores experimentales más técnicos y radicales como Steve Reich, Suzanne Ciani o Eliane Radigue estaban más interesados en descomponer la música y encontrar nuevos sonidos distorsionados para ampliar la gama de piezas de producción musical que nunca se habían escuchado mientras que por otro, músicos como Joanna Brouk, Philip Glass, Steve Reich y Max Richter, Izumi Tanaka o Tōru Takemitsu eran más reflexivos, buscaban como decías una composición más silenciosa, una forma de tranquilidad y de armonía en el uso de pocas notas. La espiritualidad y el minimalismo han sido fuentes de inspiración para los músicos, de eso no hay duda. Más allá de los conocidos campos del piano clásico y de la música ambiental, este proceso de composición trascendental está presente en la música de Pharoah Sanders, Jacob Karlzon y Jan Johansson. Todos son músicos de jazz inspirados en Keith Jarrett. Pero no sabía que podían influenciar también a fotógrafos como tú. Eso lo descubrí leyendo tus entrevistas.
Volvamos a la fotografía en su conexión con la música. En tu libro Etna, ya habías explorado esa conexión anterior entre imágenes y sonido. El libro venía con un vinilo que, si no estoy mal, contiene una Sequenza e Fuga con 4, 6 y 8 voces, un disco compuesto por el poeta Luigi Cerantola. El paisaje lunar del volcán como lo retrataste en esos tonos blancos y negros marcados, daba la impresión de que tú querías que el lector experimentara una atmósfera particular en lugar de documentar algún viaje que te convirtiera en testigo ocular de este paisaje aislado.
En Harmony of Chaos decidiste imprimir imágenes en un gran tamaño, subrayando también en el fondo esta particular textura gris que encontraste que nos hace creer que estamos frente a un fresco moderno. La fotografía es una pintura hecha con luz y productos químicos. Esta es ciertamente la influencia que Dirk Braeckman tuvo en ti, especialmente cuando miramos su z.Z (t)., uno de sus libros. ¿Por qué el polvo y el sonido son importantes en tus fotografías?
R.A.: Luigi Cerantola ha agregado una parte fundamental al proyecto Etna, con una composición poética que tiene su propia esencia en sí misma, además de ser el resultado de un trabajo con mi fotografía. Lo mismo sucede con la música de Claudio Sichel, que está grabada en el vinilo (junto con el trabajo de Cerantola). El sentimiento general del proyecto era, en mis expectativas, el de crear un trabajo tridimensional con fotografía, poesía y música, donde cada parte pudiera funcionar por sí misma, pero que también sirviera para construir un puente entre una y otra cuando se leyeran en conjunto. La experiencia del lugar, correctamente como mencionaste, fue particularmente importante en el Etna. Al ser un volcán, todo tenía que ir más allá del lenguaje visual.
Etna, Nomadic Editions, 2013
En Harmony of Chaos, el tamaño es algo que percibí de inmediato que podría ser relevante en el resultado del proyecto. Cuando probé las primeras compresiones de los paisajes urbanos, me di cuenta de que, para lograr esa sensación de claustrofobia, el proyecto era en parte sobre el tamaño. Estaba imaginando una especie de horizonte de hormigón, hecho de vibraciones de la creciente megalópolis. Por lo tanto, tomé la decisión de hacer esos paisajes urbanos de 2 metros de ancho, de modo que, al pararse frente a ellos, a una distancia regular, los ojos pudieran ahogarse en su textura, sin estar enmarcados por los bordes de la imagen, creando una inmersión total en la ciudad.
No puedo decir exactamente que Braeckman haya influenciado directamente mi obra. Ciertamente puedo decir que es uno de los fotógrafos que más admiro por sus fotografías enigmáticas e íntimas que me hacen sentir que estoy tocando la escena con la mano, oliendo la habitación, sintiendo la tenue luz que entra por la esquina de una cortina. A veces los encuentros con sus imágenes son bastante inquietantes emocionalmente hablando, y esa es quizás la razón por la que lo admiro. Sus grises siempre me han atraído, tal vez porque están lejos del claro contraste que impregna mis fotografías. En Harmony of Chaos, el gris luminoso y algo polvoriento proviene del concreto de la ciudad, de su densidad, sin el horizonte natural. Tiene un significado diferente al de Braeckman.
P.D.F.: ¿Crees que cada libro puede ser leído como se oye una pieza musical? Me refiero a la posibilidad de leer un libro como si uno pudiera notar el ritmo de cada imagen, visualizando la secuencia, capturando el movimiento y la quietud como si la lectura revelara una especie de danza visual, invitando a veces a ir y venir para comprender las diferentes capas ocultas en la imagen, contenidas en la serie… ¿Cuál es para ti la especificidad de este tipo de libros hechos de imágenes y por qué decidiste hacer uno de este trabajo en particular en términos generales? ¿Qué esperas que veamos que no pudiéramos ver en una exposición, por ejemplo?
R.A.: El libro en general siempre ha sido una parte importante de mi fotografía, ya que generalmente contiene todo el proyecto, mientras que la exposición suele ser una selección del mismo. Harmony of Chaos, ha sido diseñado respetando el proyecto, diría más que mis otros libros. El libro es la exposición, y viceversa. Además, el tamaño del libro es bastante relevante en este proyecto. Junto con el editor Las (M) éditions y la Galerie Thierry Bigaignon decidimos tomar una dirección bastante extrema, sin aceptar compromisos, arriesgándonos a hacer un libro que, digamos, definitivamente no es un libro de bolsillo. Esto se debió a que era la mejor manera de respetar el proyecto y la exposición, tratando de alcanzar también en el libro la sensación de un horizonte concreto cuando lo abres. Además, Harmony of Chaos tiene una secuencia en forma de espejo bastante particular, por lo tanto, la primera imagen está fuertemente relacionada con la última, la segunda con la anterior, y así sucesivamente. De esta manera, lo que llamas danza visual, se convierte en un ritmo controlado a través de las vibraciones de la ciudad, podemos decir que se genera la sensación de armonía dentro del caos urbano.
P.D.F.: En una entrevista anterior, hablaste sobre la búsqueda del infinito. Lo que expresaste dice mucho sobre el proceso en el que te encuentras cuando se trata de revelar la esencia de la imagen alcanzando una cierta forma de trascendencia en ese proceso. En esa entrevista dices lo siguiente: «Eso es lo que busco cuando hablo de infinito: el proceso constante de intercambiar con la imagen contigo mismo, entrar y salir del mundo y de las imágenes, sintiendo a veces una cierta inconformidad con el resultado. Todos los grandes pintores y escultores van más allá de lo que hacen, ven algo universal y masivo que no pertenece a este planeta pero que tiene sentido para todo el universo, y para todas las civilizaciones, algo que durará para siempre. Simplemente alimentarme con esas cosas es extremadamente emocionante”. Esta sensación de estar fuera y dentro del mundo es probablemente lo que hace que tus imágenes se vuelvan meditativas y poéticas. ¿Qué están comunicando esas imágenes de hecho? ¿Son simplemente la síntesis de un tranquilo estado de observación y el reflejo del caos en la gran ciudad, dos cosas que, como usted dice, están fuera de nuestro control?
R.A.: Lo que trato de alcanzar, diría, es esa línea muy delgada en el medio de esas dos cosas que mencionas.
P.D.F.: Si la secuencia de un libro es un proceso intuitivo. ¿Cómo fue la experiencia de tener que encontrar un título, un diseño y un ritmo para este libro en particular? ¿Es esta una actividad solitaria o entablaste un diálogo con los editores?
RA: Es solitario para la primera parte, luego se convierte en un diálogo con el editor, ya que compartimos el mismo objetivo, que es hacer un libro de la mejor manera posible, reflexionando y respetando el proyecto. Al mismo tiempo el libro debe tener su propia vida. El título me vino a la mente mirando las fotografías y entendiendo que Harmony of Chaos era lo que quería que esta serie fuera.
P.D.F.: ¿Por qué no podemos ver caras en tu serie o cuando estas aparecen hay una imagen borrosa que las cubre? ¿Acaso tu investigación de la atmósfera está guiando esta elección?
R.A.: No hay retratos nítidos en el libro porque me parece que cuando una cara está presente en una fotografía, probablemente el espectador busca una expresión en esa cara cuando la mira y eso la contextualizará, encerrándola en un momento o lugar específico. Prefiero no tener expresiones que lideren la imagen. Incluyo la presencia humana en la mayoría de mis fotografías, pero sólo como significado de la presencia humana, no como una persona u otra en particular. La inclusión humana en mis fotografías ocurre porque quiero alcanzar el sentido de la escala, la compresión, la liberación, el gesto o el dinamismo. Tengo la intención de que cada elemento humano siga siendo presencia, en lugar de sujeto.
P.D.F.: ¿Te consideras un fotógrafo experimental? ¿Uno que esté más interesada en expandir las posibilidades fotográficas a través de experimentos químicos y de impresión?
R.A.: No. Experimentar con técnicas químicas y de impresión no es mi preocupación, al menos no por el momento. Creo que todavía hay mucho para desafiar simplemente mediante el uso del mismo proceso anterior, simplemente dejándose guiar por un tema, una búsqueda. El momento de proceso alternativo de la fotografía, es un tema muy delicado. Me parece que ahora si no haces algo en la impresión, tu trabajo no es lo suficientemente bueno, en muchos casos se está convirtiendo en una moda del momento, y no tiene mucho de mi interés o respeto cuando no se hace de verdad. Por ejemplo, se ha convertido en una rutina encontrar en todas partes fotografías antiguas en las que se haya hecho algo, solo para hacer algo con ellas. Eso me parece ridículo. Por otro lado, me parece diferente cuando un fotógrafo / artista utiliza un proceso no tan clásico porque ese proceso enfatiza el tema en sí mismo, lo respeta mucho y trabaja en conjunto para crear algo aún más relevante que la impresión misma, volviéndose indisoluble. Un verdadero ejemplo de esto es el trabajo de Vittoria Gerardi.
P.D.F.: ¿Has estado leyendo libros o viendo películas que podrían haberte influido últimamente?
R.A.: Desafortunadamente, el tiempo no ha estado de mi lado últimamente, por lo tanto, las oportunidades de ver películas se han reducido drásticamente. Sin embargo, desde hace mucho tiempo, puedo decir que una película que se me ha quedado grabada en mi mente ha sido A Field in England, y que ha ido aún más lejos L’Année dernière à Marienbad.
P.D.F .: De lo que acaba de compartir como películas, definitivamente debería ver The Lighthouse de Robert Eggers y Cold Warde Paweł Pawlikowski. Y si aún tenemos tiempo para escuchar música y leer tus libros, aquí hay cuatro composiciones, que si las lees, componen un Haiku:
Max Richter, On the Nature of Daylight
https://www.youtube.com/watch?v=rVN1B-tUpgs
Joanna Brouk, The Space Between
https://www.youtube.com/watch?v=gxI3t67cspw
Arvo Pärt – My Heart’s in the Highlands
https://www.youtube.com/watch?v=x3Y77YHGakQ
Ólafur Arnalds, For Now I Am Winter
https://www.youtube.com/watch?v=Imws57sBepo
Gracias Renato.
Biografía
Renato D’Agostin nació en 1983. Comenzó su carrera en fotografía en Venecia, Italia, en 2001. La atmósfera de la vida en la ciudad alimentó su curiosidad por capturar situaciones de la vida con la cámara. Para afianzarse como fotógrafo, viajó en 2002 por las capitales de Europa occidental en busca de imágenes. Después de un período en Milán, se mudó al extranjero explorando fotografía en Nueva York. En la dinámica vida de la ciudad, tuvo la oportunidad de conocer al fotógrafo Ralph Gibson para más tarde convertirse en su asistente.
Sus obras han sido expuestas en varias exposiciones en Europa, Estados Unidos y Asia y publicadas en numerosos libros. Algunas de sus impresiones han pasado a formar parte de colecciones públicas como The Library of Congress y The Phillips Collection en Washington DC, el Centro Internacional de Fotografía en Nueva York, así como LACMA en Los Ángeles, el Centro de Fotografía Creativa en Arizona y la Maison Européenne de la Photographie en París, entre otros. Dislocando a los sujetos de sus realidades, describe su percepción del espacio a su alrededor, la relación entre la arquitectura y las personas, abriendo un nuevo portal en la imaginación del espectador. Después de 13 años viviendo y trabajando en Nueva York, D’Agostin en 2018 regresó a su patria, Italia, y estableció un estudio en un almacén en las afueras de Venecia.
Ha publicado doce libros. Entre ellos, 7439, Kapadokya, Acrobats y Etna se publicaron con las Ediciones Nómadas. Proxemics es su primer libro realizado en cooperación con The (M) éditions. Un segundo libro titulado Harmony of Chaos ha sido coeditado por The (M) éditions & Quants. En la mayoría de sus trabajos impresos, las imágenes en blanco y negro difuminan los límites entre paisajes reales e irreales, lo que permite elevar figuras enigmáticas e intemporales. Los libros están pensados como experiencias visuales. A veces, la presencia de una partitura musical (en forma de un disco de vinilo) o textos y escritos toman las imágenes fuera de su contexto original, dejando solo la sensación de un viaje a través de una composición visual poética.
Libro
http://the-m.fr/projects/harmony-of-chaos/
Video
https://vimeo.com/338677435
Galerie Thierry Bigaignon
https://www.thierrybigaignon.com/renato-dagostin
La Galerie Thierry Bigaignon se dedica exclusivamente a la fotografía contemporánea. Con un fuerte enfoque internacional, la galería apoya y defiende la visión única de sus artistas, ya sean emergentes, de mitad de carrera o establecidos en todo el mundo, en su búsqueda para proponer un nuevo vocabulario visual, desafiar el medio y explorar el alcance completo de sus posibilidades Los artistas que representa son: Catherine Balet, Renato D’Agostin, Harold Feinstein, Henri Foucault, Vittoria Gerardi, Ralph Gibson, Yannig Hedel, Sabine Mirlesse y Thomas Paquet.
Todos los años, la galería publica Post-Scriptum, el primer catálogo de galerías premium de edición limitada que registra cada exposición de la galería. Con el editor The(M) éditions y Collectors Confidential, la plataforma de fotografía de la galería que solo presenta obras de arte únicas, la galería también está activa en ambos mundos, el de la impresión y el de la web, con un fuerte posicionamiento hacia la fotografía rara y de calidad.
PUNTO DE FUGA 