«Me gusta pensar que este experimento se asemeja a la historia de un mito, o a una creación espiritual, en definitiva, a una narración que reactualiza un tiempo fuera del tiempo y se abre a una dimensión redentora para proyectarse más allá del sufrimiento del presente.”
Maria Cristina Comparato
«En el mundo contemporáneo, donde el hombre ha sido capaz de codificar y descomponer casi todo, las fotografías de Stefano Parrini nos devuelven la mirada en cambio hacia objetos insondables.»
Maria Elisa Dainelli
La editorial italiana Penisola Edizioni fue fundada por Steve Bisson en 2019 con el objetivo de promover la investigación fotográfica y las artes visuales en Italia. En 2022 se publicó el libro Elementary Hierophanies and Decoding of the Gaze (Hierofanías elementales y descodificación de la mirada), con un delicado diseño realizado por Rudi van Delden y los aportes tanto de Elisa Maria Dainelli (antropóloga) como de Steve Bisson (comisario). El libro propone una visión muy interesante de la forma en que Stefano Parrini entiende lo sagrado a través del uso de la fotografía.
Bisson describe el proyecto editorial de la siguiente manera: «Desde hace algunos años, Stefano Parrini sigue una trayectoria artística encaminada a descodificar la mirada. Sus imágenes funcionan como espejos en los que, más que encontrar fragmentos de realidad, se revelan formas o posibilidades de entenderla. La fotografía como dispositivo de pensamiento se vuelve capaz de liberar la mente, abriendo puertas hacia horizontes indefinidos».
PUNTO DE FUGA entabló una conversación abierta con el autor y su editor para entender la elaboración del libro y la construcción de la mirada en la obra de Parrini.
Entrevista
P.D.F.: Una hierofanía, tal y como la describe el diccionario, es una palabra que procede del griego hiero-, «sagrado», y phainein, «mostrar». «El término designa la manifestación de lo sagrado en cualquier objeto a lo largo de la historia. No importa si lo sagrado aparece en una piedra, un árbol o un ser humano encarnado, una hierofanía denota el mismo acto: una realidad de un orden totalmente distinto a las de este mundo se manifiesta en la esfera natural o profana». ¿Por qué titula su obra Hierofanía? ¿Buscabas entablar una conexión específica con el paisaje al fotografiarlo o son las imágenes en sí mismas las que son sagradas para ti?
S.P.: El título de este libro me lo dio mi editor Steve Bisson y me pareció de lo más acertado. Especialmente por la inclusión de la palabra hierofanía. Una palabra con un significado profundamente cercano a los sentimientos que tuve cuando me encontraba ante estos paisajes. Hay una conexión específica con esa parte del mundo que se puso ante mis ojos y las imágenes son una consecuencia directa de esta frecuencia.
Por supuesto, las imágenes que elegimos tenían que ser hierofánicas, el montaje se hizo desde el principio con esta dimensión. Digamos que la segunda característica es consecuencia de la primera.
P.D.F.: La mayoría de las fotografías que has realizado proceden de lugares desiertos. Todas tienen un particular aspecto polvoriento y granulado. Cuando miramos esas imágenes, sentimos la necesidad de pasar más tiempo observando la tierra, la composición del paisaje, como si intentáramos leer lo que tiene que decir. Pero al final lo que queda es un alivio y un momento de conexión con lo que hay allí. Nos sentimos liberados al ver fotografías que no podemos catalogar o descifrar con facilidad. Cuéntenos más sobre cómo hiciste esas fotografías. ¿Cuánto tiempo le llevó y cómo fueron sus viajes a esos lugares?
S.P.: La creación de las fotografías que aparecen en mi libro abarca un lapso de unos veinte años. Son principalmente fotografías de viajes que hice por el deseo de descubrir ciertos lugares. En ese momento no tenía una idea clara de lo que iba a hacer con ellas, me dejaba inspirar por la gran energía que sentía. Hace unos tres años, le di muchas vueltas a algunos temas que sentía cercanos desde hacía mucho tiempo, e inicié un camino que me llevó a hacer fotografías con una línea bien definida, que fue la que luego dio lugar a este libro. Una búsqueda de conceptos que llevaba mucho tiempo queriendo hacer y que fue el clásico cierre del círculo.
P.D.F.: Captar el silencio es cada vez más un lujo en un mundo ruidoso. En las imágenes que vemos hay una aparente falta de vida, ya que el ritmo de la tierra es mucho más lento que el nuestro. ¿Buscabas el silencio para crear este entorno sagrado?
S.P.: La búsqueda del silencio es un hecho natural, yo diría una consecuencia de la dimensión en la que nos encontramos. Más que el silencio, diría la escucha, algo que ya no estamos acostumbrados a hacer. Escuchar es precisamente lo que me encontré haciendo de forma natural y que estas fotografías mías invitan a hacer, a percibir lo que ocurre en el entorno natural. Imagínate ir al desierto y tratar de oír: el viento, la arena que se mueve, incluso los ruidos de nuestro cuerpo son más perceptibles. En esos lugares, una percepción diferente nos pone en contacto con todo lo que nos rodea y con nosotros mismos.
P.D.F.: Hay un aspecto muy escultórico en tus fotografías. Incluso si este paisaje parece habitado, pareces auscultar cada formación rocosa para captar la imagen de un paisaje muy diverso y rico. Y eso nos da la impresión de que nos estamos acercando a la pulsión viva esencial de la Tierra. ¿Es esto algo que también quería mostrar en tus fotografías o es más bien la interpretación de un lector observador?
S.P.: Un lector atento notará sin duda que hay referencias que no son aleatorias. Mi libro contiene elementos que demuestran que la Tierra está cerca y presente en todo lo que se ve. Hay fotografías con fenómenos (algunas son pequeñas instalaciones que he realizado) que demuestran una misteriosa vitalidad del planeta, una pulsación que ha moldeado cada piedra y ha creado el entorno al que nos enfrentamos. También hay muchos elementos ancestrales que hacen referencia a la conciencia humana, a ese largo periodo en el que el hombre empezó a situarse en el centro del mundo. Aquí, el comienzo es algo así como la toma de conciencia de nosotros mismos y del universo que nos rodea.
P.D.F.: Me gustaría mucho hablar del libro en sí. ¿Cómo trabajó primero en la selección de imágenes? ¿Se dirigió al editor con un conjunto de imágenes o fue más bien un trabajo en colaboración?
S.P.: En cuanto a la selección de imágenes, Steve Bisson y yo colaboramos mucho. Llegué con un conjunto de imágenes sobre las que luego trabajamos para afinar nuestra idea de lo que queríamos decir. Realmente tengo muchas imágenes que podría haber incluido en mi libro, por supuesto el tema realmente requería una selección cuidadosa y no demasiada redundancia.
P.D.F.: En el libro, las diferencias de tamaño y la secuenciación de las imágenes nos dan la impresión de seguirle a usted como fotógrafo en esta búsqueda de lo sagrado. ¿Has concebido el libro con un recorrido concreto o has optado por no condicionar la mente del lector y dejar que se pregunte a través de las imágenes a medida que avanza el libro?
S.P.: La geometría de la secuencia de fotos es realmente un camino que he creado con mi propia línea perceptiva. No ha cambiado mucho desde el primer pdf que le presenté a Steve. Desde el principio había acentos y dimensiones que eran el resultado de este instinto mío. Al hojear el libro uno se encuentra con espacios y dimensiones que me parecen acordes con esta forma de ver las cosas. No sé si es un condicionamiento para quien hojea el libro, desde luego es una sugerencia para acercarse a una dimensión presente en el libro.
P.D.F.: En su reseña sobre Possible hierophanies, María Cristina Comparato hace una descripción muy interesante de sus propias sensaciones al hojear el libro. Dice: «a medida que avanzo por las páginas del volumen, resuenan en mi mente estas palabras del escritor rumano Mircea Cărtărescu y pienso que, si hoy ya no sabemos encontrar un camino que nos devuelva el sentido de nuestra existencia, es probablemente porque hemos dejado de maravillarnos por el hecho de que, entre miles de millones de posibilidades, la vida haya conseguido surgir y florecer, aunque sólo sea durante un minúsculo paréntesis, en el enorme tiempo del universo». ¿Cree que su libro nos acerca al sentido de la existencia?
S.P.: Cristina, que es muy buena, trajo la frase de Mircea Cărtărescu que es un poco la esencia última de mi libro. Fue concebido como un “reset” que nos empuja a hacernos preguntas que están muy cerca de los misterios interiores que cada uno lleva consigo. Dar un pequeño paso atrás y redescubrir el placer de buscar en nuestro interior algo por lo que merezca la pena avanzar.
P.D.F.: El diseño del libro es obra de Rudi van Delden. Me impresionó mucho la calidad de la tela del libro, especialmente el tipo de papel, la impresión y la selección tipográfica. La mayoría de los textos están diseñados como si fueran piedras. Son detalles sutiles que dan aún más trascendencia a tu obra. Cuéntenos más sobre el enfoque del diseñador en tu libro. ¿Cómo llegó a las decisiones esenciales: portada, papel, impresión y diseño tipográfico?
S.P.: El libro es el resultado de una colaboración a tres bandas. Steve, Rudi y yo trabajamos juntos para conseguir el resultado que vemos. Steve y yo nos centramos mucho más en el cuerpo y la secuencia de las imágenes. Tras ver varias pruebas, también elegimos los papeles tanto para el libro como para la caja. Rudi dio ese toque estético que completó el diseño tipográfico. Algunas de las elecciones de Rudi, como que los textos siguieran el contorno de las rocas, el tipo de letra, que daba un bonito equilibrio a todo el libro, y la elección de utilizar una piedra para la portada, fueron especialmente apreciadas. Una elección importante fue también el papel para la caja, donde dimos mucha importancia al color, gris, que reflejaba los tonos medios de todo el libro y el color de los textos y la piedra, roja, que contrastaba con todo lo demás. En cuanto al papel para las imágenes, en estrecho contacto con la imprenta, elegimos un papel mate que era adecuado para imprimir ese tipo de imágenes. Después decidimos utilizar un papel de color perla para los textos para darles una caracterización diferente.
P.D.F.: ¿Por qué consideras importante hacer un libro de esta serie?
S.P.: Hacer un libro, para mí, es muy importante. Significa poder hacer una pequeña obra de arte y hacerla llegar a la gente directamente, sin filtros. Este libro es igual de importante porque encierra un buen periodo de mi vida y habla de conceptos que siempre he intentado expresar a través del lenguaje fotográfico. Para esta serie también era importante por el aprecio que tengo a la editorial y a quienes colaboraron conmigo.
P.D.F.: ¿Este libro está dedicado sólo a los lectores de fotolibros o crees que está hecho para un público más amplio?
S.P.: Nunca pienso en un público restringido para los libros de fotografía, sería realmente reduccionista hacer un libro sólo para gente del sector. Creo que el lenguaje de la fotografía siempre ha sido entendido por todos y que cada uno puede encontrar su propia clave.
Este libro aporta dimensiones universalmente reconocibles y aporta argumentos sobre los que cada uno puede hacer su propia aportación. La prueba es que el libro ha sido comprado por muchas personas que no están en contacto directo con la fotografía y que, sin embargo, han apreciado su contenido.
Por ejemplo, en una presentación que hice en un instituto de secundaria, quedé gratamente impresionado por el interés que despertó entre los niños. Por lo tanto, diría que los libros de fotografía son para todos y que quizá el mundo editorial debería estar menos sectorializado.
Texto
“Stefano Parrini lleva varios años realizando un viaje artístico destinado a descifrar la mirada. Sus imágenes funcionan como espejos en los que, más que encontrar trozos de realidad, revela formas o posibilidades de entenderla. La fotografía se convierte en un dispositivo de pensamiento capaz de desquiciar una mirada pasiva, de desencadenar cortocircuitos mentales y abrir brechas en horizontes inesperados.
Su última investigación nace de la recomposición de un archivo de imágenes en el que se alternan tanto las fotografías captadas durante un viaje hecho de peregrinaciones por los desiertos, como las viejas diapositivas utilizadas antaño en la enseñanza escolar y las huellas de gestos e intervenciones espaciales.
¿Cuál es el hilo conductor de estos fragmentos? Yo diría que un aura de misterio que sitúa al observador en un plano simbólico. Una alienación inicial debida al paisaje casi extraterrestre pronto da paso a una poderosa sugestión: montañas y rocas primitivas, cuerpos totémicos, planos de luz reflejada que hacen emerger un pasado lejano. Una realidad desnuda, donde la distancia entre el ser humano y la naturaleza desaparece casi por completo, y surge una relación expresada en un lenguaje esencial.
Los megalitos son un artificio primordial que documentan una relación diferente con el universo, pero, al mismo tiempo, determinan la existencia misma del hombre, reconocible hoy precisamente a través de estos medios artesanales. La de los humanos es una historia de herramientas. A pesar de su diversidad, las imágenes recuerdan el complejo simbólico del lugar donde tenían lugar los antiguos rituales, donde tomaban forma los mitos, las prácticas sagradas, los conocimientos trascendentales. Hoy, el proceso de secularización no niega una búsqueda de pertenencia a un microcosmos familiar en oposición al caos incierto de la oscuridad, al terror del tiempo que encuentra justificación en la conciencia de la muerte, o más bien en un final, en un límite de la vida, con una transición posible.
La fotografía de Parrini refleja un acto de concentración, un intento de iniciar la mirada, partiendo de hierofanías elementales que pueden llegar a liberar un universo interior. Un Imaginario que es, ante todo, un deseo de escapar de una visión profana de una condición histórica superficial.
Sin apelar a la teoría de los arquetipos, que más tarde hizo fortuna en Jung y formó parte del psicoanálisis, me gusta pensar que este experimento se asemeja a la historia de un mito, o a una creación espiritual, en definitiva, a una narración que reactualiza un tiempo fuera del tiempo, y se abre a una dimensión redentora para proyectarse más allá del sufrimiento del presente.”
Editorial
Web
https://www.stefanoparrini.it/nocode
Biografía
Stefano Parrini es un fotógrafo italiano nacido en Barberino Val d’Elsa, Florencia. Desde 2007, ha participado en numerosas exposiciones por toda Italia y ha ganado varios premios. En 2007, ganó el premio «Epson-Le Logge» en el Toscana Fotofestival. En 2009, obtuvo una mención ad honorem en el concurso LUCCAdigitalPHOTO y ganó el premio «Un mundo mejor». En 2010, recibió una mención ad honorem en los IPA International Photography Awards y otra en los Blurb Photography Book Now. En 2011, ganó el SI Fest. En 2012, fue seleccionado para el Descubrimientos PhotoEspana y fue uno de los finalistas del premio Fondazione Fabbri. En 2013, fue uno de los finalistas del premio Fotógrafo Ambiental del Año, y en 2014 del Fondazione Fabbri. En 2015, fue seleccionado para la Projection du Jury a Les Boutographies, en 2017 para el Mes Europeo de la Fotografía y ganó el concurso FIPA 2017 para la categoría Entornos construidos y naturales.
Ha expuesto en diferentes ciudades italianas y publicado sus obras en varias revistas especializadas. Desde 2012, ha participado en el proyecto Photo Ltd authors collection dirigido por Danela Trunfio y se ha unido al proyecto Reflexions Masterclass bajo la supervisión de Giorgia Fiorio y Gabriel Bauret.
Las imágenes de Stefano Parrini forman parte de la Colección de Fotografía Contemporánea de la Galleria Civica de Módena, del archivo de fotografía estenopéica del MUSINF de Senigallia y del archivo de la Bibliothèque nationale de France. Parrini es cofundador del colectivo Synap(see). Vive y trabaja en Poggibonsi, Siena.
PUNTO DE FUGA 