Universo fotolibro: constelaciones impresas de América Latina, Fiebre Photobook, 2022

En América Latina, los fotolibros son el resultado de un encuentro afortunado entre el proceso artesanal de fabricación de los libros de artista y el trabajo de impresión a mediana escala. Desde hace más de veinte años han proliferado pequeñas editoriales, librerías y talleres de diseño en todas partes del continente para ofrecer posibilidades imaginadas a los fotógrafos. 

En esta ocasión PUNTO DE FUGA se une a Infinitos Lugares para presentar UNIVERSO FOTOLIBRO, una exposición itinerante de libros latinoamericanos hecha para reflexionar sobre el acto de leer libros de imagen. ¿Qué significa leer en imágenes? ¿Qué posibilidades de lectura tiene un libro de este tipo? ¿Hay algo que pueda preceder a la imagen en estos casos? Sea cual sea la respuesta que cada visitante le dé a estas preguntas, UNIVERSO FOTOLIBRO propone una cartografía del libro de fotografía latinoamericano, en la que revela posibilidades inusitadas de acercarse a estos libros a la vez que se rasgan, se desdoblan, se organizan, se tocan, desordenan o se pasan las páginas.  Cada gesto del lector responde a un de acción que aparece indicado en el epicentro de cada uno de esos centros de sentido. 

En UNIVERSO FOTOLIBRO, los verbos de acción invitan a aproximarse al libro desde el gesto primero, hasta llegar a las capas más profundas que pueden contener esos libros cuando dialogan entre ellos. Cuando uno observa en detalle cada libro, descubre que detrás de cada relato se pueden ver y sentir las tensiones, las contradicciones y los acercamientos más recientes de la historia de América Latina. El potencial de todos estos fotolibros radica precisamente en la fuerza en la que se unieron el diseño y el contenido para tejer historias de vida y expresar la riqueza de un continente.  

Esta exposición traslada al mundo de los libros, formatos de lectura y de interpretación de las imágenes que escritores como Julio Cortázar o John Berger se habían hecho en su tiempo. Uno buscó en Rayuela, la posibilidad de ofrecer al lector múltiples caminos de acercarse a una novela mientras que el otro puso al descubierto la necesidad de pensar el sentido de las imágenes antes de la existencia de las palabras. En esta ocasión serán los libros, en sus múltiples dimensiones de expresión y contenidos los que hablen por sí mismos del continente y de su tiempo.

Esta exposición es co-producida por PUNTO DE FUGA BOGOTÁ e Infinitos Lugares en Bogotá, Colombia, con el apoyo, los consejos y la colaboración de Fiebre Photobook, de Palermo y de nuestra librería aliada en Madrid.

Curaduría:
Laura Carbonell & Laura Bernal

Evento:
Fiebre Photobook
10a edición
https://fiebrephotobook.com

Fecha:
20 – 25 de septiembre 2022

Lugar:
CentroCentro
Plaza Cibeles, 1A, 28014
Madrid, España

Universo Fotolibro: constelaciones impresas de América Latina
Fiebre Photobook
2022

Asociar / Clasificar

Paolo Gasparini
La verdadera historia de Paolo Gasparini
La cueva casa editorial
2017

“La verdadera historia de Paolo Gasparini ofrece un apretado compendio de las más profundas inquietudes sociales y estéticas de un fotógrafo italiano con la vida repartida entre Caracas, Trieste, La Habana y Ciudad de México. Aquí aparece recombinada la historia de sus imágenes, el diálogo entre el pasado y el presente, con la vida de las ciudades y sus “asomados”, en un libro llevado por el juego del fotomontaje. Esta experiencia de Gasparini, publicada por La Cueva, editorial venezolana especializada en fotolibros, está acompañada por la mirada crítica de Juan Antonio Molina, el diseño de Ricardo Báez.

Y decir aquí fotomontaje también remite a los fotoracontti italianos, tan afines a Gasparini, es decir, la sabia combinación de la fotografía y el relato en función de reconstruir las huellas de su propio mundo, cada una de sus épocas. Un trabajo autobiográfico, la crónica de las derrotas ideológicas sobre la realidad, la voz de los márgenes en América Latina que se expresa con su propia vitalidad, en sus escenarios naturales, riéndose, sin alzar la voz, sin poses militantes, ni relatos épicos.

Por debajo de todo lo anterior, hay algo más discreto en esta historia personal del autor, la pasión por mirar los cuerpos y sus colores, con todo su poder persuasivo, a partir de una larga sucesión de fotografías recortadas y hasta descentradas. El libro superpone  imágenes sobre imágenes integradas con la palabra y el diseño, relatos encajados que muestran cómo las vidas pueden sostenerse a sí mismas –alma y aguante– en la pobreza y los paisajes devaluados”.

En cuanto al diseño, La verdadera historia de Paolo Gasparini está dividido en dos partes: la parte superior se dedica a fotos y la inferior contiene el ensayo de Juan Antonio Molina, quien hace un estudio interpretativo de la práctica discursiva del autor, desde sus inicios hasta el momento de publicación del libro. La segunda parte reúne desde las primeras imágenes de temas neorrealistas de pescadores, campesinos y trabajadores capturadas en la región del Friuli (Italia) a partir de 1951; el retrato de Paul Strand (1956); fotos de Cuba (1961-1965); el caos urbano de Caracas o Ciudad de México; boutiques y vidrieras de París; grafitis de São Paulo; iconografía de revolucionarios comunistas; niños de Guatemala, de las sierras peruanas, de la guajira o de San Salvador de Paúl; trabajadoras sexuales; letreros, señales lumínicas con eslóganes de prosperidad y bonanza, que contrastan con anuncios callejeros que transcriben e inscriben demandas de equidad social; o personas en barracas, favelas, en plazas públicas, malviviendo entre basura en las periferias metropolitanas.

Las dos secciones se encuentran literalmente divididas. Cada segmento funciona de manera independiente. Es posible hojear solo la parte de arriba o voltear el libro para leer únicamente el ensayo. Aunque también se pueden abrir ambos cuerpos para leerlo de manera continua, coordinando las páginas superiores con las inferiores. Similar a Andata e ritorno el diseño de La verdadera historia de Paolo Gasparini vulnera el canon de lectura, ofreciendo una posibilidad lúdica de manipularlo al armarlo y desarmarlo.

Nicolás Consuegra 
Conexiones
Tangrama
2020

Conexiones es un libro cuyo punto de partida son las formas arquitectónicas conocidas por ese nombre y que funcionan como pasadizos elevados entre dos edificios. En principio, se trata de estructuras de uso exclusivo —restringido o no del todo público—, que ponen a prueba el uso y las funciones del espacio habitable. Muchas de estas construcciones pasan por encima, atraviesan o interceptan un espacio que, supuestamente, es común; no obstante, resulta ambiguo como entran en contacto con los recintos que conectan.

Las conexiones se plantean como apéndices: pasadizos entre sistemas arquitectónicos mayores que intentan solucionar de modo lógico o arbitrario (como lo hace un atajo) necesidades de circulación. La existencia de las conexiones permite que las normas del manejo del espacio público se vuelvan ambivalentes: en algunos casos esas conexiones pueden estar invadiéndolo sin permiso, pero no hay una normativa precisa en la ciudad (y en el país) para definirlo. Según lo menciona Nicolás Consuegra, esto es una evidencia de cómo los intereses privados prevalecen sobre los públicos.

El libro conexiones tiene dos lecturas, asocia los registros fotográficos de Consuegra con un escrito de Enrique Ramírez Botero. El texto no intenta expandir el contenido de las imágenes: es una reflexión que cruza referentes literarios, históricos, artísticos y arquitectónicos entre Bogotá y otros contextos geográficos.

Asociar / Contemplar

Thomas Locke Hobbes
Mountain fields like stairways of stone
Auto-editado 
2016

El libro Mountain fields like stairways of stone (Campos de montaña como escaleras de Piedra) de Thomas Locke Hobbs es una obra auto-editada que reúne una serie de fotografías en gran formato hechas en las montañas de los andes peruanos. Algunas de ellas son contemplativas y parecen registrar las ruinas antiguas de terrazas de siembra, mientras que otras muestran a las grandes metrópolis peruanas como una presencia tentacular que se expande por los Andes, tomándose las colinas y los valles. 

Como lo dice el propio fotógrafo: “si bien, hace miles de años, los habitantes de los valles montañosos de los andes transformaron el paisaje construyendo terrazas para convertir tierras marginales en lugares productivos. La población creció y el excedente de esas siembras fue la base del intercambio de los imperios Inca y Wari. En la actualidad esos espacios rurales han sido deshabitados por el fenómeno de migración de los campos hacia las ciudades. Pequeñas capitales se han convertido en metrópolis. Las construcciones urbanas se extendieron por las montañas”.

Asociar / Descubrir

Alfredo Blásquez
La playa de los juguetes perdidos
Inframundo + La Hydra 
2021

Edición especial
Papel Capuccino Bond Paper de 75 gramos
Caja de cartón con impresión en serigrafía

La playa de los juguetes perdidos es un libro muy entretenido porque ofrece múltiples formas de ser leído. Puede ser pensado como un anti catálogo de objetos arqueológicos encontrados en estado de deshecho. En la primera parte del libro, algunos de los juguetes que Alfredo Blásquez recolecta aparecen en media página asociados a otros objetos con las misma forma y en la siguiente página se los ve relacionados con otros. En la segunda parte del libro, el juego se convierte en algo más parecido a un animalario de objetos desgastados con los que todavía se puede volver a buscar curiosas combinaciones y personajes nuevos en función de cuántas veces pase uno la página y dónde decida uno dejarla.           

Como lo cuenta el mismo fotógrafo, los juguetes habían sido elaborados durante siglos con materiales naturales como madera, semillas, barro, huesos o piedras. Desde la llegada del plástico, esos juguetes, una vez en desuso, llegaban a las playas del mundo en estado de deshechos. Entre 2013 y 2018, Blásquez realizó un trabajo de recuperación y reciclaje de basura marina en playas de México, ubicadas frente al Océano Pacífico y al Mar Caribe. En medio de miles de desperdicios y coloridos pedazos de plástico, los juguetes se convirtieron para él objetos arqueológicos. La labor de recolección y fotografía de cada uno de ellos ha quedado fielmente plasmada en este libro que recolecta y ordena de forma divertida cada uno de ellos. Este objeto impreso propone una nueva forma de activarlos y de darles vida.

Gabriel Linares
Pueblo
Baudó AP 
2021

Pueblo es un libro cargado de colores, de sensaciones y de imágenes intempestivas sobre lo popular latinoamericano. El libro recoge diez años de trabajo en los que Gabriel Linares recorrió diversos pueblos de Colombia buscando eso que nos hace tan auténticos. El libro no pretende narrar una historia ni reconstruir ese recorrido en términos geográficos sino más bien recopilar esos detalles que constituyen la cultura popular para darnos a entender quiénes somos. El libro Pueblo fue ganador del premio a la edición del festival Tiro y Retiro 2021, un evento organizado por la agencia Baudó AP.

Asociar / Confrontar

Paolo Gasparini
Karakarakas
Mal de ojo
2014

Karakarakas es un libro que inicia con un juego de palabras de una sola vocal, en el que se nos anuncia que estaremos viendo la cara de una ciudad como Caracas. El libro es una narración visual razonada que hilvana fotos, frases, textos anudados para expresar una idea autoral. Hay que leerlo en conjunto, no como un libro hecho de imágenes individuales.

Se puede decir que el libro busca representar la cotidianidad —en el espacio público—, la vida de los habitantes de Caracas desde varios puntos de vista, en diferentes lugares y años (1954-2014).

Encuanto al diseño gráfico, el libro está estructurado en tiempos, con fotos en blanco y negro, antes, mucho antes de Hugo Chávez, e imágenes a color que registran la vida caraqueña actual, en el llamado «socialismo del siglo XXI». Las fotos están ubicadas en dobles páginas o dispuestas en el papel alternando las cualidades tonales, el pasado y el presente, para aludir finalmente a momentos consonantes que no han transmutado en sesenta años.

Para formular Karakarakas, Gasparini y el diseñador Ricardo Báez en un proceso creativo, han seguido las pautas de una idea concebida con anterioridad, siguiendo un guión proponen un discurso autobiográfico de recorridos por avenidas, estacionamientos, veredas, plazas, centros comerciales de la ciudad. La secuencia teje una trama cuyo hilo conductor es la memoria cultural, social y política de una ciudad signada por la violencia, en estado de urgencia permanente, constantemente sitiada, cercada, vigilada y militarizada; malograda, sucia y empobrecida.

El libro incluye un texto de la novelista Victoria de Stefano sobre la ciudad, que contrasta con las duras, secas y lapidarias transcripciones de los artículos de la Constitución de 1999 —creada por Chávez—, agregadas a la publicación.

Coleccionar

Guadalupe Ruiz
Kleine Fotoenzyklopädie 
Auto-editado
2015

       

Esta enciclopedia de 672 páginas surge del interés de Guadalupe Ruiz por los libros de fotografía publicados en los años treinta y cuarentas. Es una obra auto publicada, lo que sugiere un trabajo minucioso de Guadalupe en todo el proceso de diseño e impresión. De hecho, desde que Guadalupe se mudó con su pareja a un edificio de una antigua imprenta offset en Biel, aprender sobre la impresión offset. El antiguo dueño les enseñó todo el proceso en dos meses, para poder imprimir ellos mismos todo el libro.

Kleine Fotoenzyklopädie (Enciclopedia de fotos pequeñas) corresponde a la investigación iconográfica que Guadalupe hizo durante sus residencias y viajes de artista en 2014 y 2015. Cada lugar de residencia (Génova, Nueva York, Detroit, Bogotá, Tirana, México, Chicago) le dio la inspiración para desarrollar su proyecto y recopilar imágenes de diferentes temáticas.

El libro es una colección de 645 fotografías ordenada en 37 capítulos, entre los que se encuentran: Wolkenkratzer (rascacielos) Blumen aus Kolumbien (flores de Colombia), Gegestände aus der Elterlichenwohnung (objetos decorativos de la casa de mis padres), y Patisserien aus chinatown (pasteles del barrio chino ), entre otros.

Coleccionar / Revelar

Andrea Triana & Sofía Reyes
Coqueta
Jardín publicaciones
2022

Editado a modo de pequeño álbum familiar, este pequeño libro expresa con mucha franqueza y dinamismo esos encuentros y esas vivencias cotidianas de Coqueta, quien vivió en Italia entre los años 1994 y 2002. 

Para Jardín Publicaciones este libro es la celebración de la vida de Andrea Correa “Coqueta”. El libro hace un recuento de ese momento de su vida: sus amores, los lugares que habitó, la brillante decoración que iluminaba casi todo, sus amigos, y, en fin, la exuberancia de una vida con la complejidad de cualquier otra, pero de la que se nos permite ser espectadores. Esto en un momento en el que el carácter privado de la fotografía era mucho más evidente que ahora, y su materialidad pertenecía, casi totalmente, al mundo de lo doméstico.

Estas 129 fotografías son parte del Archivo Queer de la Fundación Arkhé, primer cuerpo documental abierto al público dedicado a reconstruir la historia, el activismo y los cruces estéticos y poéticos de la comunidad LGBTI, fueron editadas por Andrea Triana y Sofía Reyes, quienes entendieron la capacidad de esta colección para transmitir, no solo el “espíritu de una época”, sino también su poder para hablarnos de nosotros mismos, de identificarnos con otras vidas y otros momentos. Este libro de Jardín es una bella invitación a mirar, mirar como sentados en la sala de una casa, sin reproches, sin cinismos ni pudor”.

Guadalupe Ruiz
Bogotá D.C
Scheidegger & Spiess
2012

Bogotá D.C. es un libro muy interesante porque esta diseñado con una clasificación específica, hay seis secciones del libro que representan los distintos estratos socio-económicos de la ciudad de Bogotá. Con este libro, la fotógrafa y artista colombiana Guadalupe Ruiz explora seis casas de las seis clases impositivas diferentes de la ciudad cuyos residentes van desde extremadamente ricos hasta empobrecidos.

Al tomar fotografías de apartamentos y paisajes urbanos, interiores completos y muebles individuales, Ruiz crea un retrato cohesivo y de múltiples capas de la ciudad como un todo.. En cada uno de los capítulos se pueden ver los interiores de las casas de las familias que reconocemos por su religiosidad, la importancia de la familia, el estilo kitsch en el decorado y el cuidado que tienen con sus objetos más personales. De estas curiosas tipologías de los interiores de las casas en Bogotá, todas compuestas con la misma rigurosidad y el mismo acercamiento al espacio surgen algunos paralelos culturales sorprendentes entre las clases socioeconómicas que los lectores más sutiles pueden empezar a notar con el tiempo.

Guadalupe Ruiz— Bogotá D. C. hace una clasificación y un examen sutil como estimulante de la vida urbana de la capital Colombiana. El libro incluye más de cien imágenes deslumbrantes ordenadas por barrio. Se incluye un mapa de los barrios y un ensayo complementario para brindar contexto a las impresionantes fotografías de Ruiz.


Confrontar  

Andre Penteado
O suicidio do meu pai
Auto editado
2014

O Suicídio De Meu Pai es un libro que cuenta un capítulo trágico de la historia familiar de André Penteado. El suicidio del padre, como lo indica el título es el punto de partida de una búsqueda por reconocer el dolor de la pérdida, la ausencia con su realidad asfixiante y expresarlo en forma de imágenes.

André cuenta los orígenes de esta obra. “Mi padre, José Octávio, tenía 72 años cuando se suicidó el 31 de enero de 2007 en São Paulo. Cuando esto sucedió, yo había estado viviendo en Londres durante un año. Durante este período, las llamadas telefónicas y los correos electrónicos eran nuestra única forma de contacto.

Poco después de recibir la noticia, agarré mi cámara y comencé a tomar fotos. Era una forma impulsiva e inmediata de afrontar lo sucedido. Al día siguiente, por la mañana, volé a São Paulo. Al llegar allí, me dirigí directamente desde el aeropuerto al velatorio, donde continué fotografiando, deteniéndome solo al final del funeral del día siguiente.

Dos semanas después, al probarme algunas de las camisas de mi padre, noté que aún contenían mechones de su cabello y su perfume. Así que decidí llevar toda su ropa a un estudio y me retraté usándola. Después de un año sin contacto físico, sentí que lo estaba abrazando por última vez. Al final de ese día, vi todas sus perchas vacías tiradas en el piso del estudio y decidí fotografiarlas contra un fondo blanco.

Después de un mes en São Paulo, regresé a Londres. Allí, durante los siguientes años, con una pequeña cámara digital, produje miles de fotos. En 2011, decidí editar estas imágenes y me di cuenta de que, entre las fotos normales y cotidianas, se concentraban imágenes tristes, como objetos rotos, lugares abandonados y calles oscuras. Me di cuenta de que inconscientemente estaba expresando mi dolor.

Mientras trabajaba en un libro de artista que contenía fotos de funerales para una exposición que iba a realizar en Londres, decidí incluir en él copias de las cuatro cartas que mi padre había dejado. Basado en uno de ellos creé la última pieza de este proyecto: una escultura de neón con su firma. Como la carta era una de las últimas acciones de su vida y contenía la última vez que había firmado con su nombre, me di cuenta de que esas letras tenían un significado poderoso: con esta minuciosa formalidad, quería asegurarnos que tenía razón en su decisión.

El proyecto O Suicídio De Meu Pai fue galardonado con el Premio Nacional de Fotografía Pierre Verger en 2013 y, al año siguiente, se convirtió en libro.

Contemplar / Contrastar

Arturo Soto
In the Heat
The Eriskay Connection
2018

El libro In the Heat, hace un recorrido por la Ciudad de Panamá que se contrapone a la imagen que normalmente tenemos de ese lugar. En el inconsciente colectivo, la idea que tenemos de Panamá frecuentemente se limita a su canal, al hecho de que es paraíso fiscal de América, a sus paisajes exóticos y a una historia política abierta en su relación con Estados Unidos.

En el libro In the Heat, sin embargo, el país vibrante que se muestra en los folletos de viaje no aparece. Arturo Soto se aleja del típico imaginario a color de una ciudad que ha utilizado este lenguaje visual para promover experiencias turísticas y atraer visitantes para adoptar el blanco y negro. Los espacios banales en la obra del fotógrafo mexicano contradicen las nociones de progreso y crecimiento económico.

Aunque el proyecto no pretende ser una crítica social, sí intenta capturar los diferentes valores sociales y las disparidades ubicadas en el entorno urbano tal y como la ciudad se los va mostrando.

El diseño es simple, le da espacio a cada imagen como invitando a observar con mayor detenimiento un lugar que en realidad desconocemos. El título hace referencia al clima húmedo de Panamá. El libro incluye un ensayo de Kevin Coleman, profesor de Historia Latinoamericana de la Universidad de Toronto.

Contemplar / Reconocer

Pablo Hare
Indianapolis – Tijuana
Meier Ramírez
2021

Indianapolis – Tijuana es un libro de 44 páginas editado en 300 ejemplares que retoma una serie de fotografías de pablo Hare hechas en la Colonia Nápoles, Ciudad de México, en el año 2017.

La edición alargada se adapta con sutileza a las fotografías y nos invita a hacer un recorrido por la ciudad. Las imágenes son descriptivas pero su sobriedad recuerda mucho a la escuela de Dusseldorf. Es interesante que este tipo de miradas se extiendan a territorios latinoamericanos en donde normalmente el desorden, la violencia y la cultura popular son el centro de atención de muchos fotógrafos que eligen retratar la urbe. 

Juan Orrantia
Like Stains of Red Dirt 
Dalpine & Fiebre Photobook
2020

Like Stains of Red Dirt reúne una serie de momentos que dan cuenta de la experiencia de un lugar concreto. En este trabajo realizado después de vivir más de diez años en Johannesburgo, Sudáfrica, la mirada de Juan Orrantia se dirige hacia el interior. A través de la combinación de escenas espontáneas, intuitivas y otras construidas, el libro va desgranando momentos, gestos y objetos de su propia casa y de los alrededores. Su uso del color y de las sombras crea un lenguaje que nace de lo subjetivo, de la experiencia diaria y de la imaginación.

En un país marcado de tantas maneras por el color, las fotografías nos invitan a pensar en la superficie tanto como una forma seductora, cuanto como una ilusión. Estas sugieren emociones e inquietudes, así como la presencia de corrientes históricas, políticas y representacionales subyacentes que atraviesan el contexto en el que se han tomado.

Contemplar / Reiterar

Pietro Paolini
Buscando a Bolívar 
Editorial RM
2019

Buscando a Bolívar es el resultado de los viajes del Pietro Paolini a Bolivia, Ecuador y Venezuela entre 2009 y 2014, en los que el fotógrafo italiano documenta con cierto humor y poesía la vida diaria en los países del nuevo socialismo latinoamericano durante las presidencias de Evo Morales, Rafael Correa y Hugo Chávez. Los paisajes y las situaciones que Paolini registran de forma compleja y sutil una búsqueda de la utopía, un sueño bolivariano que ha atravesado el continente y que muchos de sus habitantes reclaman sin por lo tanto llegar a él.

Gracias al instrumento fotográfico, el artista ha captado y descrito las realidades existenciales cargadas de humor, construyendo una verdadera novela visual: una historia que representa la vida entera, en todas sus implicaciones históricas, sociales, económicas, antropológicas y políticas. Aunque la edición es simple, el tono pastel de las imágenes, el tamaño del libro con sus grandes márgenes y el espacio para la contemplación le dan una total coherencia a toda la obra.

Contrastar

Stephen Ferry & Elizabeth Ferry
La Batea
Icono Editorial
2018

Fruto de una colaboración de seis años entre el fotógrafo Stephen Ferry y su hermana, la antropóloga Elizabeth Emma Ferry, La Batea analiza de cerca la minería de oro a pequeña escala en Colombia. El libro está pensado a manera de relato antropológico para dar a conocer todo tipo de vivencias y situaciones que se han presentado en las minas de Marmato, de Segovia y de otros lugares de Colombia en donde aún se extrae el oro.

El diseño propuesto por Icono editorial es muy particular, con sus cubiertas en cartón, la portada serigrafiada y el toque de la fusión de una pepita de oro que asemeja la actividad tradicional de búsqueda del oro en los ríos con el instrumento tradicional precolombino que la título a la obra, la Batea. Las imágenes aparecen con un tono granulado que se ve reforzado por el uso de un papel rugoso, lo que refuerza el aspecto documental de la obra.

Aunque esta es una obra que apela mucho a los sentidos, en donde lo documental se va fusionando poco a poco con la búsqueda de un objeto táctil, colorido en donde a veces pueden surgir imágenes abstractas que hablan del calor de la fusión del metal, la Batea documenta las luchas de las comunidades mineras de oro en Colombia para defender su forma de vida contra las organizaciones criminales armadas y las corporaciones multinacionales que buscan su oro. Colombia refleja la situación de las comunidades locales en todo el mundo que enfrentan una represión violenta por oponerse a proyectos mineros a gran escala en sus territorios. Mientras explora el complejo terreno social en torno a la minería del oro, La Batea se involucra con la naturaleza carismática tanto del oro como del mercurio.

Andre Penteado
Cabanagem
Editora Madalena
2015

Cabanagem hace parte de un proyecto de largo alcance en el que Andre Penteado refleixona sobre la historia y la identidad de Brasil.  En este libro se reúnen los rastros, las huellas y los vestigios de esa reflexión sobre la construcción de la subjetividad brasileña. Algunas de las fotografías se a hechos históricos anteriores a la invención de la fotografía. En cinco libros titulados Cabanagem, Missão Francesa y Farroupilha, Descubrimiento e Independencia, Penteado recompone hechos que no cuentan con iconografía fotográfica de la época.

Así es como él mismo explica este proyecto. “La idea que subyace al proyecto es que sería posible pensar un paralelismo entre el trabajo del fotógrafo y el del historiador: si ambos parten de la realidad, el resultado de su trabajo es siempre una construcción ideológica. Así, la fotografía del presente puede ser un instrumento para reflexionar sobre los procesos de creación de narrativas históricas y para investigar el pasado. Todos los lugares, objetos y personas fotografiados para los libros de este proyecto tienen algún grado de conexión con los hechos históricos que son sus temas.

Cabanagem, el primer capítulo del proyecto Rastros, huellas y vestigios, trata de una de las mayores revueltas de la historia de Brasil. Ocurriendo entre 1835 y 1840, Cabanagem se apoderó de toda la región amazónica y causó más de 30.000 muertes. A pesar de esto, es prácticamente desconocido en el país.

La obra aborda el borrado de algunos pasajes importantes de nuestra historia que, a pesar de ello, inevitablemente aún repercuten en el presente.

El libro fue incluido en la lista de los mejores fotolibros de los sitios web Time Lightbox y Photoeye en 2015 y el proyecto ganó, en 2019, el Premio de Fotografía Chico Albuquerque, uno de los más importantes de Brasil.”

Andre Penteado
Missão Francesa
Editora Madalena
2017

Missão Francesa, la segunda etapa del proyecto de investigación sobre los rastros, huellas y vestigios de la historia Brasilera, se inspiró en la llegada a Brasil, en 1816, de un grupo de artistas franceses cuyo objetivo era fundar la Academia Imperial de Bellas Artes. El grupo estaba dirigido por Joachim Lebreton e incluía a Debret, Taunay, los hermanos Ferrez y el arquitecto Grandjean de Montigny.

La elección de la Misión Francesa como tema buscó explorar dos puntos recurrentes en nuestra historia: la idea de que para resolver nuestros problemas debemos importar modelos externos y las grandes diferencias que ocurren, en Brasil, entre lo planificado y lo efectivamente realizado fuera. .

Las fotografías de este libro forman parte de las colecciones del MAR – Museu de Arte do Rio de Janeiro, el Museu Nacional de Belas Artes do Rio de Janeiro y la Pinacoteca de São Paulo.

Andre Penteado
Farroupilha
Editora Madalena
2020

En busca de imágenes que vinculen el pasado con el presente, André Penteado visita Rio Grande do Sul y desarrolla este, el tercer libro de la serie rastros, huellas y vestigios. Inspirándose en la Revolución Farroupilha, ocurrida en la región entre 1835 y 1845, el autor hace un inventario de las huellas dejadas por la revuelta social. La narrativa recorre los lugares fotografiados, construyendo una red de consecuencias que mezcla los homenajes con la realidad actual.

Al retomar temas como el Campamento Farroupilha, el desfile del 20 de septiembre, lecturas teatrales y escenográficas de la Revolución y sus personajes, las fotografías otorgan otra capa de significado a monumentos y campos de batalla, como el legendario Porongos, donde ocurrió la llamada Masacre de los Lanceros Negros.

La obra construye una secuencia de inventarios que, de vez en cuando, se “contaminan” con imágenes de unos y otros. La narrativa recorre los lugares fotografiados, construyendo una red de consecuencias que mezcla homenajes a la realidad de la cotidianidad.

Para André Penteado es importante crear un paralelo entre el fotógrafo y el historiados. Según él: “si ambos parten de la realidad, el resultado de su trabajo es siempre una construcción ideológica. Así, la fotografía del presente puede ser un instrumento para reflexionar sobre los procesos de creación de narrativas históricas y para investigar el pasado. Todos los lugares, objetos y personas fotografiados para los libros de este proyecto tienen algún grado de conexión con los hechos históricos que son sus temas”.

Contrastar/ Confrontar

Musuk Nolte 
La resistencia del silencio 
Raya Editorial 
2020

La resistencia del silencio es un libro de la confrontación de las imágenes porque pone en tensión dos de los extremos de la representación fotográfica de la retórica política. En primer plano y con un color negro en altos contrastes, están las fotografías tomadas durante diversas protestas en Lima entre los años 2012 y 2019, siendo la última registrada el día de la disolución del Congreso de la República del Perú. Debajo, aparecen bajo un color rojo intenso, un conjunto de imágenes oficiales, extraídas del sistema de difusión del propio Congreso, mediante la palabra clave “minuto de silencio” que se refiere al momento de la toma, en donde los congresistas guardan un minuto de silencio simbólicamente, en conmemoración a la muerte o memoria de algún individuo o grupo.

La repetición de esta confrontación nos habla de un juego de poder permanente. Tanto las imágenes de la protesta como las del hemiciclo del congreso ocupan un espacio compartido. Su fricción apunta a evidenciar las debilidades simbólicas de actores y performances en el ejercicio de lo político y a su vez, lo cíclico y simbiótico de este ecosistema.

Julio César Cardoso 
Pétalas
Lovely House
2021

El fanzine llamado Pétalas (Pétalos) contiene 67 imágenes extraídas de Internet mediante buscadores. Muchas de esas imágenes recuerdan el lenguaje de clasificación de la ciencia forense, solo que esta vez se trata de proyectiles que al ser recuperados y fotografiados toman la forma de flores.

Utilizando imágenes de proyectiles, balas desinfladas y textos que remiten a un glosario de violencia e industria/cultura armamentística, la obra sugiere una reflexión sobre el fetichismo en torno a las armas de fuego. La poesía de las imágenes se combina con la violencia del uso de las armas para alertar sobre su uso indiscriminado.

Este proyecto fue elegido por el jurado de Imaginária Festa Do Fotolivro en Brasil como ganador del Premio Lovely 2021 en la categoría dummy de Photozine. Fue publicado por Lovely House Editora.

Contrastar / Reconocer

Mateo Gómez García
A Place To Live
La Silueta
2014

A place to live es un libro muy interesante porque observa a los distritos periféricos de Bogota con humor, ironía y desilusión. La editorial La Silueta hizo un trabajo interesante escogiendo un papel granulado para acompañar las fotografías. Mateo Gómez, el fotógrafo, habla de ese lugar idóneo para vivir que se ha ido perdiendo con el ideal de progreso urbano.

Estas son sus palabras: «Existe el lugar ideal para vivir. Sin embargo, hay un conflicto entre el ideal y la realidad. La ciudad asume la posición ideal al ofrecer diversidad laboral, cultural e intelectual, pero al mismo tiempo la realidad es más costosa, impersonal, rutinaria, controlada y acelerada. Esa es la razón por la que algunos prefieren vivir en los suburbios y las afueras de la ciudad, para tener los beneficios tanto de la tranquilidad del campo como de las oportunidades de la ciudad. Bogotá demuestra estar en territorio inestable y la ciudad crece rápidamente. En 1930, la población era de 300 000 personas mientras que hoy se extiende a 8 millones de habitantes.

La periferia de la ciudad siempre es un lugar con potencial de desarrollo, siempre está en expansión y la continua apropiación del espacio es inevitable. El comportamiento de las personas cambia con el paisaje y la ciudad impone un estereotipo doméstico de una vida mejor que sólo puede definirse como controlada; es la vida contradictoria del progreso.

Desde hace 11 años vivo en La Calera, uno de los 18 distritos de la sabana de Bogotá. La Calera actúa como un destino familiar de fin de semana para visitar el campo y comer la famosa fritanga (una bandeja de morcilla, papas, chorizos, carne y más) o para visitar un mirador para observar la caótica capital de Colombia.

Las cosas han cambiado con el tiempo. Nuevos proyectos residenciales, clubes de campo y centros comerciales han invadido este hermoso entorno rural, provocando un desequilibrio social y ambiental. El agua se está volviendo escasa y lo que alguna vez se vio como hermosos valles ahora son proyectos residenciales.

Después de ver estos cambios drásticos en tan poco tiempo, sentí la necesidad de producir un registro fotográfico no solo de La Calera, sino también de algunos otros distritos vecinos que están corriendo la misma suerte, si no peor. Parte de mi interés en este proyecto es proponer una ilusión de progreso y desarrollo, mostrar a la familia feliz y un futuro poco prometedor desde un punto de vista irónico y pesimista».

El libro se imprimió en Bogotá en 2014, en el barrio Santa Teresita bajo el cuidado editorial de la Silueta.

Denunciar 

Liz Tasa
Kápar, esterilizaciones forzadas
Ediciones Challa
2021

Kápar, esterilizaciones forzadas es el primer fotolibro de la colección relatos indómitos dedicada a la fotografía documental latinoamericana. Este título es fruto de la colaboración entre Ediciones Challa y KWY Ediciones.

«Kápar» hace referencia al caso de esterilizaciones forzadas, crímenes de lesa humanidad que afectan a miles de mujeres campesinas de la sierra y selva peruana descendientes de pueblos originarios, durante el gobierno del cuestionado ex presidente Alberto Fujimori entre los años 1990 y 2000.

Este acontecimiento fue un programa sistematizado donde personal médico a cargo debió cumplir con cuotas de esterilizaciones y reportes directos al presidente. Dada la urgencia de llegar a las metas, se cometieron muchas negligencias, como por ejemplo carecer de exámenes médicos, y que las mujeres fueran operadas y enviadas de regreso a casa sin ningún tipo de observaciones o cuidados posteriores. Debido a la mala praxis muchas han muerto y otras tienen cáncer de útero o fuertes infecciones en el vientre que les impide trabajar y producir la tierra como antes. «Están reproduciéndose como conejas», son algunas de las frases que les decían los doctores a las mujeres antes de operarlas.

Kápar es un trabajo de la fotógrafa Liz Tasa que explora las secuelas físicas y emocionales que han tenido que sufrir estas mujeres hasta la fecha.

Denunciar / Confrontar

Mathieu Asselin
Monsanto®: A Photographic Investigation
Verlag Kettler & Actes Sud
2017

Este es un libro de investigación que busca dar a conocer los efectos tóxicos provocados por los químicos creados por la multinacional Monsanto®. El libro aborda desde múltiples puntos de vista esta problemática dándo a conocer todas las implicaciones que ha tenido la fabricación de agroquímicos y productos de biotecnología: ácido sulfúrico, sacarina, poliestireno, diodo emisor de luz (LED), alimentos genéticamente modificados (OGM), insecticidas (DDT), hormonas de crecimiento bobino (rBGH) y otros sobre el medio ambiente y la salud de la gente.

En el libro se hace referencia al famoso herbicida Agente Naranja, utilizado por el gobierno de los Estados Unidos en la acción militar Ranch Hand durante la guerra de Vietnam (1962-1971). Esta operación consistió en rociar el pesticida sobre millones de hectáreas de tierra, exfoliando áreas de cultivo donde los combatientes del Frente Nacional de Vietnam se ocultaban. Causó el nacimiento de al menos 500 mil niños vietnamitas, camboyanos y laosianos con malformaciones y deformaciones genéticas. También intoxicó a militares americanos expuestos a la guerra química.

Con la producción de refrigerantes (Bifenilos policlorados o BPC) en los Estados Unidos, Monsanto® infectó ríos ubicados en el oeste de Anniston, Alabama. La compañía ha sido demandada miles de veces por agricultores que enferman de cáncer al usar el herbicida “Roundup”, compuesto por glifosato. La investigación de Asselin ha sido estructurada con fotos de discapacitados, inválidos, fetos deformados, fotografiados en el hospital Tu Du.

El libro busca dar a conocer esta historia de una forma completa y global. La portada del libro reproduce el tono verde y naranja que distingue el envase del herbicida “Roundup”. El interior Incluyen entrevistas hechas por el fotógrafo a personas con deformaciones —en Alabama, Pensilvania y Ho Chi Minh—, quienes relatan sus patologías. Reproduce brochures de propaganda, fotogramas de comerciales de televisión, material POP, contratos legales entre la transnacional y agricultores para el uso de semillas transgénicas o desoladas ciudades contaminadas. Incorpora fotografías de trabajadores del campo que impugnan el cultivo de alimentos modificados genéticamente, de activistas manifestándose en contra de los efectos letales generados por los agentes contaminantes.

Desarchivar

Shirlene & Julio Cesar Cardoso
Sete Quedas
{Lp} press
2021

El proyecto Sete Quedas de Shirlene Linny y Julio Cesar Cardoso investiga el secuestro y asesinato del embajador José Jobim, en marzo de 1979, en Río de Janeiro.

A través de una extensa investigación documental, los archiveros Shirlene Linny y Julio Cesar Cardoso armaron un verdadero dossier con opiniones oficiales, documentos de Estado y recortes de diarios y revistas, recopilando desde la noticia de la desaparición del embajador -y la sospechosa cobertura mediática del caso- hasta la reciente reconocimiento del asesinato de Jobim y la revisión de su certificado de defunción en 2018.

En el fotolibro, las imágenes de Sete Quedas y de Usina de Itaipu sirven de telón de fondo para la reconstitución de los hechos que culminaron con el asesinato del embajador. El proyecto fue producido en tres locaciones: cuaderno principal y zine (impreso por Ipsis Gráfica); dossier y diario adjunto (impreso y ensamblado por los autores); pasta de proceso (diseño y producción de Gabriela Irigoyen).

Descubrir

Alec Soth
Dog Days Bogotá
Steidl
2007

Dog Days Bogotá es un libro que se adapta bien a la línea del trabajo documental de Alec Soth en donde quien observa el libro, recorre un lugar sintiendo el ambiente, entendiendo las tensiones y las contradicciones de la calle y encontrándose por momentos con personajes singulares que posan para el autor con una dignidad y una fuerza sorprendentes. Seguramente el impacto que generan los retratos tiene mucho que ver con la relación que el autor establece con ellos a la hora de hacer las fotografías. Alec Soth busca siempre conocer algo de la vida, de los sueños y de la personalidad de quienes está fotografiando y eso se refleja en cada foto.

El libro tiene una gran importancia en el recorrido del autor porque está relacionado con la adopción de su hija. Así es como Alec Soth narra este episodio: “Mi esposa y yo adoptamos a nuestra niña, Carmen Laura, de Bogotá, Colombia. Mientras los juzgados tramitaban sus trámites, estuvimos dos meses en Bogotá esperando para llevar a Carmen a casa. La madre biológica de Carmen le regaló un libro lleno de cartas, fotografías y poemas. “Espero que la dureza del mundo no hiera tu sensibilidad”, escribió, “cuando pienso en ti espero que tu vida esté llena de cosas hermosas. Con esas palabras como declaración de misión, comencé a hacer mi propio libro para Carmen. Al fotografiar la ciudad donde nació, espero haber descrito algo de la belleza de este difícil lugar”.

Descubrir/ Revelar

Miguel Ángel Rojas
Esquina rosa
Jardín Publicaciones
2018

Miguel Ángel Rojas, quien a finales de los setenta tenía su taller en el centro de Bogotá, exactamente en la esquina de la calle 24 con carrera 4, se dedicó a registrar de manera clandestina, como un voyerista, lo que pasaba a través de su ventana a distintas horas del día. El resultado es una serie de imágenes a color, radiografías de una época que amplían la comprensión no solo de procesos y estrategias tempranas dentro de la trayectoria del artista, sino también la de un relato de una ciudad que estaba en ese momento en plena tensión con la modernidad.

El libro Esquina rosa retoma las imágenes de ese período de una forma sutil, con un diseño simple pero impactante. Cada página es una fotografía de una esquina y la posibilidad de un encuentro con desconocidos que se miran o pasan los unos cerca de los otros. Aunque esta no es la obra más conocida de Miguel Ángel Rojas el libro le da toda su importancia. Vale la pena observarlo con atención dejándose llevar siempre por los juegos del azar que provocan esas imágenes.


Felipe González, Rafael Navarro & Adriana Montoya 
Bogotá Zombie. Se levantan los muertos del 9 de abril 
Laguna Libros 
2020

La historia de este libro es muy interesante. Editado como un periódico de 1948, publicado con la fecha del día después del Bogotazo en un formato de diario de prensa con algunos elementos del cómic, Bogotá Zombie, se levantan los muertos del 9 de abril es una publicación sorprendente. Transgresora. El relato nos sitúa entre la realidad y la ficción para mostrarnos lo delirante que puede ser el mundo en el que vivimos y lo difícil que es reconocer hechos históricos concretos después de acontecimientos tan dramáticos como los que tuvieron lugar en Bogotá el 9 de abril con el asesinato de Jorge Eliecer Gaitán. 

Así es como los editores cuentan su hallazgo y justifican esta publicación: “En la oficina de Laguna Libros los editores encontrarnos un paquete encaletado. Apareció cuando cambiamos una lámina de madera de la pared que estaba deteriorada por la humedad. Eso pasa con los edificios viejos. Nosotros trabajamos sobre la Avenida Jiménez, en el centro de Bogotá, donde hasta hace unas décadas funcionaba el diario El Espectador. El paquete estaba envuelto en papel encerado y lleno de polvo. Al abrirlo encontramos cinco diarios con fecha del 10 de abril de 1948, año en el que se inauguró el edificio.

Hicimos algunas investigaciones y descubrimos que no existe registro de que hubieran circulado periódicos ese día, hecho que se atribuye a los disturbios que comenzaron el día anterior. El material contenido en estos documentos es confuso y contradictorio, ¿son acaso una broma?, ¿contienen las claves para descubrir los secretos del 9 de abril?, en cualquier caso es curioso que permanecieran escondidos por más de sesenta años. En esta carpeta presentamos, a manera de afiches, las primeras planas de esos cinco diarios: El Espectador, El Tiempo, El Siglo, Jornada y La Razón”.

Stephen Ferry
Violentología, Manual del conflicto colombiano
Icono editorial
2012

Violentología: manual del conflicto colombiano, del fotoperiodista Stephen Ferry, comprende un libro, una exposición y una serie de cuadernillos que documentan el conflicto armado en Colombia por más de cuatro décadas. El libro hace un repaso de la historia de violencia en Colombia al acompañar las fotografías del reportero con una extensa cronología que se remonta al siglo XIX y dos textos del historiador Gonzalo Sánchez y de la periodista María Teresa Ronderos.

El libro tiene un formato muy particular porque tiene la extensión de una doble página de la revista Time y su impresión se hizo en las rotativas del diario El Espectador como homenaje al valor de denuncia y del reportaje en Colombia. “La prensa colombiana es muy valiente, dice Ferry, y quería que Violentología tuviera una relación lo más estrecha posible con los periódicos”.

Para el reportero, “simplemente la imagen de un hombre armado no explica su ideología, o quién lo armó”. Quizás esa imagen tampoco explique qué condiciones estructurales complejas desataron la guerra y por qué sigue existiendo. El libro trata de reflexionar sobre el aspecto cultural de la violencia para ofrecer una visión más crítica y argumentada de nuestra historia reciente.

Desplegar

Mariela Sancari
Moisés
La Fábrica
2015

El libro Moisés utiliza con mucho ingenio el formato de la doble página que se despliega para crear el efecto de una tercera dimensión en retratos de hombres de 70 años de edad. La delicadeza con la que se asocian los distintos retratos genera un efecto escultural en las fotografías que le da toda la fuerza al retrato.

Así describe el libro su autora, Mariela Sancari: “Moisés es una tipología de retratos de hombres de 70 años, la edad que tendría hoy mi padre si estuviera vivo. La disciplina de la tanatología considera que no ver el cuerpo muerto de nuestros seres queridos nos impide aceptar su muerte. Contemplar el cuerpo inerte de la persona fallecida nos ayuda a superar una de las etapas más complejas del duelo: la negación. Mi hermana gemela y yo no pudimos ver el cuerpo de nuestro padre. Nunca supe si porque había sido un suicidio o por dogmas de la religión judía o ambas.

No haberlo visto nos ha hecho dudar de su muerte de muchas maneras. La sensación de que todo fue una pesadilla y la fantasía que ambas tenemos de que nos lo vamos a encontrar caminando en la calle o sentado en un café nos ha acompañado todos estos años”.

Thomas Locke Hobbes 
Jhon
Editora Fotolab Linaibah
2019 

Jhon es un pequeño libro de artista publicado en 2019 por Editora Fotolab Linaibah en una edición de 30 copias. Las fotografías fueron realizadas durante 2018 y 2019 en diversas localidades de la Amazonía peruana.

El diseño de Lina Ibáñez es muy versátil porque permite contar la historia de John de múltiples formas dependiendo de como uno desdoble las páginas de este fanzine.  El diseño de las páginas acerca mucho a este fanzine a la figura del origami que se pliega para tomar una y otra forma. Este es un muy buen ejemplo de cómo se puede narrar de forma creativa utilizando el papel en juego con las imágenes.

La edición de la secuencia fue hecha por Caio Siqueira. Con relación a  la secuencia de las imágenes, parte también hay un elemento interesante y está en la forma delicada como se equilibran el cuerpo, la materia y el paisaje en esta publicación. Todo lleva a la construcción de un retrato muy íntimo de este adonis llamado John.

Alejandro Erbetta
Reprises
La luminosa editorial
2022

El proyecto Reprises es una creación fotográfica documental y autobiográfica en la que Alejandro Erbetta recorre las regiones de sus antepasados para reconstruir su historia familiar. El libro narra la historia de su familia, quien migró de Italia hacia Argentina en el siglo XIX. Buscando los orígenes de sus antepasados, Erbetta recorrió entre 2009 y 2013 sus pasos, reconstruyendo, a través de imágenes, documentos e historias, su itinerario. En ese entonces, sus abuelos habían partido del norte de Italia, de la región del Piamonte, para luego bajar hacia el sur, hasta el puerto de Génova, donde embarcaron en las cercanías de un barco de nombre Matteo Bruzzo de 1885. El recorrido que hizo el fotógrafo lo llevó  a partir de Fontanetto d’Agogna, de donde eran sus abuelos, hasta la ciudad de Génova. Desde allí, cruzó el océano y llega al puerto de Buenos Aires en Argentina. Una vez allí, el fotógrafo empezó a hacer investigaciones en archivos públicos y en instituciones especializadas en la historia de la inmigración en América Latina, como el CEMLA (Centro de Estudios Latinoamericanos sobre Migraciones). Los bisabuelos de Erbetta formaban parte de aquel gran desplazamiento de migrantes que partieron hacia América Latina en busca de un destino mejor. Su historia está plasmada en los documentos oficiales y en las historias de familia que, como en este caso, merecen ser contadas para que no queden en el olvido.

En el libro Reprises publicado por La Luminosa editorial, se entrelazarán fotos de mi viaje, fotos del álbum familiar y fotos de archivo. En él se abordan las cuestiones esenciales de nuestro tiempo y su relación con la Historia: la identidad y la historia de la inmigración. El diseño gráfico fue hecho por Magdalena Pardo, Alejandro Erbetta y Julia Dupont. El formato largo y las amplias márgenes que deja permiten contemplar mejor la narrativa, dándole ese aspecto de documento a las fotografías. La secuencia es simple lo que favorece la lectura: en algunos casos están dos imágenes frente a frente aportando elementos de nostalgia y recreando un recorrido por la memoria, mientras que en otros, aparecen texto e imagen aportando con mucha delicadeza a la narración. Lo más importante de este libro es el espacio que da para establecer un viaje por la historia familiar y el respeto con el que se asocian las imágenes a las historias que revelan. Hemos integrado este libro en la sección desplegar por la forma como se va generando esa narrativa en asociación con los pliegues del libro y el pasar de las páginas.

Roberto Huarcaya
RM
2021

Este libro está compuesto por dieciséis fotogramas monumentales reproducidos a escala, compaginados uno tras otro, formando una gran imagen sin fin. Estos fotogramas son el resultado de un largo proceso de ocho años de hacerse de una técnica y una gramática particular que Roberto Huarcaya buscó desde el día que fue invitado a adentrarse en la selva amazónica peruana, en la zona de Bahuaja Sonene, con el apoyo de Wildlife Conservation Society. Todas estas imágenes en negativo transitan entre la huella y la ficción, entre la presencia y la ausencia, entre el registro y la sombra que oculta unas formas y revela otras.

El diseño es interesante porque une distintas series en una sola y constante imagen con el uso de la costura japonesa. Al leer este libro pareciera que el corte de la página no corta ni separa a cada fotograma sino que lo prolonga. El papel es algodonado y les da rugosidad, textura, tejido a las imágenes.

El ensayo de Joan Fontcuberta recuerda que la fotografía sin cámara nos reenvía a esos inicios de la fotografía en la que los alquimistas, físicos, matemáticos y astrónomos se esforzaban por encontrar formas de fijar la luz y se convierte en una forma de cuestionar la práctica convencional de la fotografía.

Nereo López, un contador de historias
La Silueta
2012

Nereo López, un contador de historias es un libro pensado para convertirse en una exposición. Si uno llegara a deshacer el lomo del libro, cada doble página aparece con una edición muy especial, en donde las imágenes no están pensadas a modo narrativo, sino como imágenes flotantes por las que uno puede viajar.

Como lo dice bien Camilo Rozo en su reseña del libro “en su punto mas alto, entre los años 30 y 50 del siglo XX, la fotografía fue el medio responsable y exclusivo de enseñarle al mundo el rostro de la “realidad”. Durante esa época dorada las publicaciones mas acreditadas dedicaban sus mejores espacios a las extraordinarias imágenes de un grupo de artistas aventureros, que por entonces exploraban sin afán los alcances de su equipo y su visión. Los grandes nombres de Bresson, Capa, Seymour, Lange y otros tantos, pasaron a convertirse en referentes decisivos para todo aquel que quisiera profundizar en el oficio. Paralelo al arte de todos esos maestros del mundo en aquel momento, y no lejos de sus influencias, es justo decir que uno de los grandes aportes de Colombia a este medio universal es Nereo López.

El libro “Nereo López, un contador de historias” de La Silueta Ediciones corresponde al quinto título de su colección F:otoTK. Con la profundidad y dedicación que merece cualquier proyecto que involucre a la obra de Nereo, esta editorial se dio a la tarea de curar y poner junta una pequeña porción de la obra que corresponde -en palabras de Juan Pablo Fajardo y Andrés Fresneda- “a los años mas prolíficos y de mayor movimiento del artista cartagenero”.

La selección cubre un espacio cercano a diez años de trabajo (entre 1958 y 1968), y se concentra en el suceso narrativo de cada una de sus fotos. Sin priorizar sobre la vitalidad y el arte en la obra de Nereo, el libro señala el valor que como historia posee cada imagen, propiciando de paso un espacio para que en algunas de las series, repartidas a lo largo de sus páginas, dos o tres cuadros de la misma escena nos hagan sentir también la cinematografía del maestro. Es un libro mágico”.

Encontrar

Sebastian Mejía Castilla
Silavario
Ediciones la visita
2021

Aldo de Sousa dice sobre este libro: “Esta serie hace referencia a la fragmentación fotográfica del paisaje urbano. Sabiendo que la foto puede existir solo como una parte, o una alusión a un mundo externo mayor, Mejía va más lejos: cada imagen posee una especie de corte interno también. Vemos las hojas y el tallo de una planta, pero no su base (y viceversa); secciones de automóviles, pero nunca la máquina entera. Nunca hay un encuadre entero o un plano general, sino más bien una serie de torsos y extremidades. Aunque no aparezca el cuerpo humano (que rara vez aparece en el trabajo de Mejía), los objetos en las imágenes parecen como figuras expuestas parcialmente, levemente cautelosas, pero llenas de anhelos. Un pedazo sacado de un corpus mayor: aunque está cargada de melancolía, esta puede ser la forma más atractiva de componer música, escribir poesía, o hacer imágenes”.

El formato de Silavario es interesante por lo pequeño, lo discreto y la suavidad con la que están impresas las imágenes. Hay algo de intimista y de juguetón en el recorrido que hace el lector al tener que curvarse para ver con detenimiento cada imagen y empezar a contemplar los detalles de las imágenes. El título sugiere que se trata de un libro que traduce una forma personal, gráfica y visual de mirar al paisaje urbano, recogiendo todos esos fragmentos que van a componer la gramática del libro. Aunque en principio es un libro pequeño y sin pretensiones las fotografías son muy interesantes y la edición es muy cuidada.

Encontrar / Desarchivar

A.A.V.V.
Inventario Iconoclasta de la Insurrección Chilena
Sed Editorial
2021

«El Inventario Iconoclasta de la Insurrección Chilena, es un archivo vivo que promueve, por medio da la apropiación de imágenes que circulan en las redes sociales, relecturas y resignificaciones sobre el acontecer de los movimientos políticos, sociales y culturales en el territorio así llamado Chile, que están desafiando la historia heteronormada, patriarcal y blanca. Esto sucede a partir de manifestaciones donde se han derribado en varias ciudades estatuarias de próceres, como en múltiples actos colectivos, sensibles e insurrectos, que han reconfigurado el territorio popular/plurinacional tan anhelado. Espacios de activación micropolítica y de potencia creativa que posibilitan la transformación.

La presente publicación es un gesto político y simbólico de profunda militancia colaborativa, nos invita a pensar la fuerza propositiva y política de las disidencias y de los pueblos sobre el paisaje yermo de aquellas plazas cercadas, silenciosas, custodiadas y sin héroes, modificando el territorio en una reverberancia en común de todos aquellos que luchan y resisten”.

Las imágenes en blanco y negro, movidas y muchas veces granuladas en su superficie cargan este libro de la energía de la protesta, demostrando que es posible darle un nuevo sentido a las fotografías por medio del gesto editorial.

Andrés Orjuela
Archivo Muerto
Chaco
2018

El crítico de arte Santiago Rueda  describe muy bien el contexto del libro y las cualidades de esta edición. Retomamos aquí parte de su escrito para resaltar lo esencial de esta obra de reconstrucción y reinterpretación archivística.

“Archivo muerto está formado por imágenes tomadas del archivo del periódico sensacionalista “El Espacio” (Bogotá, 1965-2013). Cuando el periódico cierra por quiebra, su archivo fotográfico es tirado literalmente a la basura. Orjuela lo recupera y les concede un nuevo soplo de vida convirtiéndolas en una especie de álbum de familia nacional. En el proceso, el artista las amplía hasta el paroxismo, luego las colorea mediante técnicas tradicionales, con algodón y óleos Marshall, a la manera de los viejos retratos fotográficos, en los que el color es producto de la subjetividad del dibujante y no de la realidad técnica del retrato, cuya imagen siempre será, por principio, en blanco y negro.

La construcción del libro, encuadernado con tapas a modo de carpeta y anillas metálicas, genera una superposición de capas e imágenes haciendo referencia al archivo fotográfico tirado a la basura.

Las imágenes mantienen el título de la fotografía original, es decir el título de identificación dado en el periódico para la noticia, e incluyen como anexo en tamaño 1:1 la ficha descriptiva, hecha a las carreras en la sala de redacción del diario, con fechas y anotaciones, manteniendo sin desestructurar, una mirada que está más cerca del verdugo que de la víctima, pues el artista no altera en esencia el mensaje aleccionador del extinto diario bogotano, y su aplicación de pigmentos, resaltando por contraste el “brutalismo” propio de El Espacio.

Así, como testigo y como archivador, Orjuela hace visible lo invisible del orden social ya descrito. Seccionado, iluminado como la historia misma, este archivo está dedicado a los que viven en infortunio, pues más que un archivo de las maldades es un archivo de la desgracia, de los capturados, los detenidos, los ajusticiados, los atropellados, los abaleados y los acuchillados.

Archivo muerto escoge el pasado para testificar fragmentariamente, el desarrollo y evolución de una violencia primaria, que es producto de una tremenda y no mencionada exclusión social, verdadera madre de todos los males”.

Paola Jiménez Quispe
Reglas para pelear
Witty Books & Images Vevey
2022

Tras el asesinato de su padre, la fotógrafa Paola Jiménez busca una forma de comprender los hechos que llevaron a ese trágico evento. Reglas para pelear es el resultado de una investigación de años sobre este momento y un trabajo de reconstrucción de la narrativa familiar marcada por la violencia.

Así explica la fotógrafa su trabajo de investigación: “en febrero de 1998, un hombre de negocios fue asesinado en Lima, Perú. Solía suceder normalmente en diferentes capitales de América Latina. Era emprendedor y tenía un exitoso negocio de telas en Gamarra, un barrio empresarial conocido. Yo tenía 5 años cuando esto sucedió y él era mi padre. Mi familia estaba realmente sorprendida y no hablaron sobre el tema, así que crecí cuestionándome mucho sobre él y lo que sucedió. Yo también tenía la necesidad de construir una relación con él. Además de hablar con mi familia (que por muchos años no lograron hablar sobre el tema) y con amigos cercanos de la familia, busqué en mi casa evidencia de su existencia o explicaciones de su repentina «desaparición».

Primero, encontré algunos objetos que tenía mi padre cuando fue asesinado y que mi madre guardó mucho tiempo, con esto encontré un documento policial, en este leí cuales fueron los motivos de su asesinato: cómo, dónde, qué sucedió «exactamente» y quién lo mató. Luego encontré una bolsa de plástico llena de rollos de película sin revelar, mi madre me dijo que mi padre solía hacer toneladas de fotografías, las desarrollé y encontré 706 imágenes. Busqué en Google su nombre y encontré una pequeña foto de prensa de su asesinato, lo busqué en el archivo del periódico y encontré un artículo sobre su asesinato  junto con otros crímenes de este tipo. También encontré videos que hizo sobre un viaje que hizo mi familia antes de que yo naciera. Finalmente encontré dos cuadernos que él y mi madre escribieron antes de casarse, escriben sobre el matrimonio, las relaciones y el amor.

Este proyecto en el que estoy trabajando es un viaje en el que trato de comunicarme con él. Intento reconstruir su historia y mostrar cómo fue que pasó todo esto. Uno piezas de archivo (fotografía, textos y objetos) con fotografías que hice investigando sobre esto”.

Escuchar/ Desarchivar

Esteban Ferro
Llamado de Guerra: Archivo Sonoro del Conflicto 
Auto-editado 
2021

El libro La Transmisión del Asalto es un guion sonoro del programa radial de nombre homónimo sobre la transmisión en directo del asalto al Palacio de Justicia en 1985, un acontecimiento que marcó la historia de Colombia. Lo interesante de este libro es que no pretende ser un libro de fotografía sino más bien una obra performática, que solo se puede entender si los lectores empiezan a interpretarla como si fueran locutores de la radio,  describiendo a cada momento la toma del Palacio por miembros de la guerrilla del M-19 y luego la entrada de los militares en tanques de guerra.

Escogimos incluir este libro porque, a pesar de no ser catalogado como un libro de fotografía sino un objeto relacionado al arte sonoro, sí contiene una serie de archivos visuales de la toma del palacio de justicia que hacen parte del imaginario colectivo de los Colombianos. El diseño del libro es sorprendente porque busca crear archivos  o segmentos de ese episodio de la historia. El último de ellos es un tercer anexo al Informe de la Comisión de la Verdad sobre el asalto, examinando el rol de los medios de comunicación en los hechos.

Este es un libro que nos enseña a des-archivar la historia, a reconocer el valor del sonido en el reconocimiento histórico y a tocar las fronteras de la ficción para acercarnos más a la realidad que vivió Colombia en esos tiempos.

Isabel O’Toole & Rafael Augusto
So Summer is Gone Leaving no Epitaph
El Futuro Ediciones
2022

So summer is gone leaving no epitaph (El Verano se ha ido sin dejarnos un epitafio), es un libro-cassette, que hace homenaje a un posible fin de mundo y lo acompaña de una banda sonora interesante. Como si toda la contra cultura se estuviera fusionando en un pequeño libreto para acompañar días difíciles. El fanzine fue diseñado y editado por Rafael Augusto e Isabel O’Toole de El Futuro Ediciones. Las impresiones de risografía y serigrafía se hicieron en Casa Rat Trap y Taller Colmillo en Bogotá, dos colectivos de artistas gráficos que trabajan con grupos de música punk y artistas independientes de la cultura underground Bogotana.

Este es un fanzine publicado en 100 copias, que va más allá de la fotografía. La yuxtaposición de imágenes venidas de la música, el cine y la literatura distópicas nos habla de un proceso de apropiación a través de la imagen que es muy interesante. El fanzine se presenta como una cartilla de 46 minutos para afrontar “los días oscuros que se avecinan”. El libro retoma extractos de 1984, Decoder, A Clockwork Orange, All watched over by machines of loving grace, Tetsuo, Punishment Park, Akira y otros…

Entre los principales textos que retoma esta publicación están el ensayo de Allan Gardner y se titula Cronenberg, Ballard and The Fire Sale Dystopia, poemas de Arseny Tarkovsky y Richard Brautigan y algunas ilustraciones de Juan M. Rosero.

Escuchar / Reconocer

Federico Estol
Héroes del brillo
Hormigón Armado & El Ministerio Ediciones
2018

Héroes del brillo es una publicación que hace homenaje a la cultura de los lustrabotas de las calles de la Paz. Rompiendo las fronteras de lo documental y el relato de ficción, Federico Estol muestra uno de los fenómenos más curiosos de la cultura popular de Bolivia, la existencia de una tribu urbana que usa disfraces, espejos y puestas en escena para desafiar la dura realidad de su cotidiano quehacer, recorrer las calles en busca de clientes con zapatos para lustrar.

Esta es la historia que nos cuenta: “son unos tres mil lustrabotas los que diariamente salen a las calles de La Paz y la ciudad de El Alto en busca de clientes. Hay de todas la edades y en los últimos años se han convertido en un fenómeno social único en la capital boliviana. Lo que caracteriza a esta tribu urbana es el uso del pasamontañas para no ser reconocidos por personas de su entorno. La discriminación por la que atraviesan es enfrentada con estas máscaras. En su barrio no saben que se dedican a esta tarea, en la escuela lo ocultan e incluso sus propias familias creen que tienen un oficio distinto cuando bajan desde El Alto al centro de la ciudad.

La máscara es su identidad más fuerte, que los invisibiliza al mismo tiempo que los une. Este anonimato colectivo los hace fuertes frente al resto de la sociedad y es su resistencia contra la exclusión sufrida por realizar este trabajo.

Durante tres años colaboré con los sesenta lustrabotas nucleados en la ONG “Hormigón Armado”, planificando las escenas en talleres participativos de relato gráficoli, incorporando los elementos locales de la urbanidad de El Alto y realizando sesiones fotográficas donde ellos son los co-autores de un fotolibro callejero para luchar contra la discriminación social.

Fui testigo y podría decir que existen zapatos que encandilan con solo mirarlos, esto se debe a los súper poderes de la familia de lustrabotas que habitan en La Paz, los verdaderos héroes del brillo”.

Co-editada por la periódico callejero Hormigón Armado y El Ministerio Ediciones en 2018 esta publicación circula en la tribu urbana y le ha dado una mayor visibilidad a su trabajo. Los ingresos obtenidos con la venta de los libros van a alimentar a ese grupo de trabajadores incansables.

Rasgar/ Desenterrar

Ana Núñez
Flor de Roca
Simulacro Ediciones
2021

Este es un libro objeto que está pensado hacia adentro. Sobre las páginas negras cosidas a la japonesa se siente la tierra. El pasar de las hojas simboliza el movimiento de tierra realizado por los guaqueros en busca de la gema. Un cristal negro adosado a las primeras páginas invita a adentrarse entre las hojas, rasgando una a una, para rastrear una porción de tierra mediante el uso del intonso, y encontrar las imágenes que lo conducirán en un viaje iniciático hacia la búsqueda de la flor de roca, que durante siglos los indígenas muzos han considerado como algo sagrado.

La esmeralda ha estado muy presente a largo de la historia de Colombia arrastrando consigo tanto penas como alegrías desde la época prehispánica hasta hoy. Sus montañas, moradas de los dioses según las creencias de los indígenas muzos, refugian en su interior la esmeralda y actúan como vehículo hacia una experiencia única, y es que según las leyendas populares ese instante de encuentro con la piedra está rodeado de enigma. Las fotografías de Ana Núñez reflejan ese misterio, ese halo de ensoñación que aún está presente entre los guaqueros de Boyacá, que practican la minería artesanal en las montañas a los Andes Colombianos.

Este es libro poético sobre la condición oculta del paisaje en donde lo efímero y la constante búsqueda de la esmeralda nos llevan a resaltar las creencias populares y sentir por un momento el poder oculto de la flor de roca. 

Carlos Saavedra
Madres terra
Raya Editorial 
2022

Durante los últimos siete años, el fotógrafo cartagenero Carlos Saavedra ha retratado a quince de las Madres de los Falsos Positivos en Colombia. Junto con el antropólogo de Princeton, Sebastián Ramírez, han recogido las historias de las madres y las han acompañado en diferentes proyectos que buscan hacer memoria de su pérdida. Todas las madres participaron en largas entrevistas en la que se les invitaba a hacer un acto de memoria para recordar a sus hijos, volver a revivir la infancia, la vida en familia y el momento de la pérdida. El libro ha sido el resultado de un diálogo con estas madres quienes han abierto sus archivos personales para construir una memoria que les es propia.

Además de los 15 retratos de estas mujeres que accedieron a ser enterradas en un delicado y respetuoso proceso de reparación simbólica, este libro ha sido diseñado para rasgar las páginas con el fin de ir abriendo capítulos de ese proceso de memoria personal que nos cuenta cómo han vivido las madres esas pérdidas y cómo siguen aún reclamando justicia.

Este es un libro que busca desenterrar la memoria del conflicto para darla a conocer visualmente. Tiene una gran relevancia para la historia reciente de Colombia porque aporta un testimonio vital de una parte de estas 6402 ejecuciones por parte del estado entre 2002 y 2008 que, según la JEP (Justicia Especial para la Paz), podrían ascender a varios millares. Las investigaciones elaboradas por Humans Rights Watch y la Fiscalía General de la Nación revelaron gran parte de sus altos mandos del ejército, participaron en la campaña sistemática de secuestro y de ejecuciones de civiles con el fin de engrosar el récord de bajas en combate.

Rasgar / Reiterar

Stephen Ferry & Tomás Mantilla 
La época-reportajes de una historia vetada
Icono Editorial
2022

La época, reportaje de una historia vetada es un libro que recrea, como si se tratara de un periódico de la época, los episodios de la guerra en el oriente del Tolima. Es un capítulo de la historia del conflicto Colombiano que no ha sido contada ni dada a conocer por el peso que tuvo la censura de la época. Al rasgar el sello de la prohibición con el que se condena a toda persona que quiera comunicar sobre el asunto, el libro sugiere una especie de lucha por dar a conocer este difícil episodio de la historia Colombiana.

El diseño del libro está pensado para simular las páginas del periódico de la época pero a diferencia del original, el lector se encuentro con una serie más extensa de investigaciones que llevan a reconstruir hechos históricos a modo de noticia.

En esta publicación, el fotógrafo Stephen Ferry y el historiador Tomás Mantilla proponen no solamente sortear la censura, sino también hacer una relectura de la historia reciente del conflicto colombiano contando cómo este importante episodio de la Violencia de los años 50, que ocurrió entre 1954 y 1957 en algunos municipios del oriente del Tolima, en las estribaciones del páramo de Sumapaz, y que tuvo su centro en la vereda La Colonia, en el municipio de Villarrica marcó el surgimiento de la guerra fría en Colombia. 

Reconocer

Pablo Hare
3600 / 4800 m s.n.m.
Meier Ramírez
2021

Las 57 fotografías en 3600 / 4800 m s.n.m. fueron tomadas entre 2017 y 2019 en la sierra central del departamento de Lima, durante tres caminatas que Pablo Hare hizo desde Ticlio, Yauli y el peaje de Quiulla hasta la ciudad de La Oroya, y varios viajes posteriores cruzando una de las zonas mineras más intensamente explotadas del Perú.

Cruce de caminos que van a la Costa del Pacífico, a los Andes del Norte y del Sur, y a la selva amazónica del Perú, la ciudad, refinería y fundición polimetálica de La Oroya, a orillas del río Mantaro, este lugar ha sido protagonista de la historia minera del país. Plomo, arsénico, cadmio y anhídrido sulfuroso en el aire, agua y suelo, lo convirtieron en uno de los lugares más contaminados del mundo. Hoy la mina -y la ciudad- está paralizada y en proceso de liquidación.

Las fotografías registran de forma silenciosa y tranquila una región minera contaminante cuyos paisajes viven transformaciones profundas. Ese tipo de composición permite observar con detenimiento cada fotografía, algo que no es común en las fotografías de reportaje sobre estos mismos temas. 

Tom Griggs
Herida y fuente 
Mesæstandar 
2017

Herida y Fuente es un libro muy poético que oscila entre el diario íntimo y el relato de viaje. En este libro Tom Griggs explora su relación con su esposa, entre 2007 y 2011. El vínculo se desarrolla lentamente a través de años difíciles de distancia que plantearon preguntas a cerca del tiempo, la fidelidad, la felicidad y el sacrificio en la relación del fotógrafo con su esposa.

A pesar de haber sido publicado por Mesæstandar, una editorial mayormente dedicada a temas de arquitectura y paisaje, el diseño y la narrativa que quedaron plasmados ahí le dan a cada imagen una gran profundidad y trascendencia.

Juanita Escobar
Orinoco
KWY
2018

Juanita Escobar es una fotógrafa que tiene la cualidad de escribir con gran fuerza y poesía. El río Orinoco es en este libro fuente de inspiración para retratar un territorio en donde las mujeres sufren el territorio y lo viven de forma muy intensa. El libro fue realizado y publicado en 2018 gracias al apoyo del Magnum Foundation Fund.

Juanita Escobar lo describe como “un ensayo visual y literario sobre la metáfora de un remolino que da vida a muchas historias y voces de la frontera rural entre Colombia y Venezuela. En su vórtice sentimos la asfixia, el ahogo, la deriva que se expresa a través de los relatos, así como los sueños y la dignidad de quienes han hecho una vida independiente de cualquier Estado y que siempre han sido sobrevivientes en esta lejanía, ahora cuentan su versión actual de la crisis que se viven en la frontera entre Colombia y Venezuela”.

Orinoco reúne tres años de investigación cuyo eje principal ha sido “la vida, la voz y el decantar de las diferentes mujeres que habitan este río. Aquí la frontera se vuelve un cuerpo, una intimidad, y lleva diferentes nombres de personas y lugares que construyen un mapa social de esta línea de 300 km del río Orinoco que separa a los dos países”.

             En palabras de Juanita Escobar: “el escenario de mi historia es el río Orinoco en el departamento colombiano de Vichada, que marca la frontera entre la Colombia rural y Venezuela. Una inmensidad de tierra que siembra delirios. Una inmensidad de agua que les permite precipitarse. Inmensidad conquistada por innumerables sueños de El Dorado. Ríos, selvas, habitantes indígenas, fibras, minerales, pieles de caimán, plumas de garza. Su sonido es el de las pronunciaciones de un mago al comienzo de un hechizo, cuando han sido poseídos por la ambición o los espejismos proyectados desde lejos. La fiebre humana por el poder y la riqueza cobra más vidas que la malaria y penetra en los huesos de un cuerpo — un territorio — que sigue resistiendo a pesar de los incesantes esfuerzos por poseerlo. Oniroco: oneiri* y Orinoco, combinación de río y sueños. O tal vez pesadillas. (*En español oneiri es Onirico, que está muy cerca del nombre del río: Orinoco).

Quiero contar las historias de las mujeres que comparten este territorio: la mujer indígena — la sikuani, amorúa, piaroa, puinave, curripaco y saliva — la mujer venezolana, la mujer llanera. Ellos pueblan la zona de esta frontera, como habitantes nómadas o sedentarios y son quienes nos guían por estos territorios donde siempre están en movimiento, permitiéndonos formar parte de su memoria. El flujo no es solo de indígenas que viajan como parte de su tradición; también hay migrantes venezolanos que buscan esperanza en esta frontera rural del Orinoco, mujeres que han sufrido severamente los impactos de las fronteras.

Quiero buscar las marcas visuales que dejan la tierra, el río y la selva en los rostros de las personas, en su piel. También quiero buscar emociones que salgan del cuerpo para convertirse en paisaje y atmósfera”.

Mateo Pérez
El Salto  
Tangrama 
2021

El Salto es una publicación que reúne las fotografías de Mateo del Salto del Tequendama, una emblemática cascada del río Bogotá y otros documentos (visuales y literarios) que expanden la visión que tenemos de este lugar natural. El libro ofrece la posibilidad de viajar a través del paisaje, deteniéndose por momentos en imágenes de bosque húmedo, luego en imágenes abstractas que muestran destellos de luz sobre la película o las ondas del agua sobre la superficie del río hasta llegar a un momento difícil en el que se percibe a distancia la silueta de un hombre lanzándose al vacío como tradicionalmente lo hacen los suicidas que visitan el lugar.

El diseño hecho por Tangrama, incluye también una serie de insertos con imágenes históricas que relatan acontecimientos importantes que sucedieron en este lugar desde el siglo XIX. Esas imágenes vienen acompañadas de un ensayo breve de Verónica Uribe que explora los antecedentes históricos de la representación visual de la cascada desde el siglo XIX hasta el presente y un texto del taller de diseño que aborda la relación de Mateo con el tipo de imágenes.

Ricardo Tokugawa
Utaki
Lovely House 
2021

Utaki es un libro que mezcla diversos registros de la imagen para hablar de la búsqueda de la identidad. En Okinawa, Utaki significa un lugar sagrado, un lugar de oración y se refiere generalmente a espacios en la naturaleza: un bosque, una cueva o una montaña, a los que pocas personas acceden.

En este libro, Ricardo Tokugawa vuelve la mirada hacia su familia, hacia sus orígenes para encontrar precisamente ese aspecto agrado de la cultura japonesa en los lugares más íntimos. El libro crea una secuencia muy cuidadosa para adentrarnos en esos espacios interiores, hacernos partícipes de encuentros familiares a veces posados, a veces retratados con más naturalidad, pero siempre con esa extrañeza y ese humor que desatan las cosas que nos parecen tan cercanas pero que a la vez tan extrañas por venir de los orígenes.

Utaki es un libro muy interesante que muestra cómo las costumbres y los hábitos particulares, no dejan de moverse y renovarse como lo señala Daniel Salum.

Reconocer/ Revelar

Felipe Romero
Magdalena
Ediciones Anómalas
2020

Magdalena es un libro que parece mostrar un paisaje paradisiaco, tranquilo, apacible, en donde la vida de los pescados no parece verse afectada por ningún tipo de peligro. Sin embargo, entre las corrientes del río la historia del conflicto colombiano.

El río Magdalena nace en la cordillera de los Andes a 3.650 metros de altitud, atraviesa el país a lo largo de 1.600 kilómetros y desemboca en el mar Caribe. A mitad del recorrido, en la zona llamada Magdalena Medio, aparecen remolinos naturales que sacan a la superficie maderas u otros materiales. Desde el inicio del conflicto armado en la década de 1960, el río ha ido expulsando los cuerpos de las personas asesinadas. Guerrillas, paramilitares y mafias locales solían lanzar los cuerpos de las víctimas al Magdalena para hacer desaparecer cualquier evidencia. Las tensiones políticas y el narcotráfico precipitaron una guerra que ha dejado más de doscientos mil cuerpos sin vida. Con este tipo de relatos Felipe Romero construyó una narrativa de ficción que hace referencia a esa apacible intranquilidad con la que se vive en lo más profundo del Magdalena.

Este trabajo es el ganador de la cuarta edición de Concurso Fotocanal libro de fotografía 2019, organizado por la Comunidad de Madrid y Ediciones Anómalas.

Luis Carlos Tovar
Jardín de mi padre 
RM
2020

Jardín de mi padre es un libro muy cercano al álbum familiar que parte de la historia de un secuestro y del intento del fotógrafo por reconstruir esos años difíciles hasta la liberación de su padre. El orden cronológico del libro ayuda a establecer una narrativa del secuestro al mismo tiempo que muestra cómo el fotógrafo va interviniendo artículos de prensa, páginas de libros, telegramas y otras publicaciones con cianotipos e imágenes de archivo. En palabras de Joan Fontcuberta, “El Libro Jardín de mi Padre del artista Colombiano Luis Carlos Tovar propone la idea de posmemoria como un ejercicio de reconstrucción imaginativa  de la experiencia vital, como una terapia generacional que da voz a lo marginado  y produce nuevas empatías con el pasado”.

El 20 de febrero de 1980, Jaime Tovar fue secuestrado por las FARC (Fuerzas Armadas Revolucionarias de Colombia) y forzado a deambular durante meses por la selva húmeda y tropical en la frontera de la Amazonía Colombiana. Su hijo Luis Carlos, autor del presente libro, apenas contaba con unos meses de edad cuando sucedieron los hechos. Los guerrilleros enviaron una Polaroid a los familiares del cautivo a modo de prueba de vida. Este proyecto parte de la búsqueda de esa fotografía incierta, pero refleja un proceso de desocultamiento que trasciende el suceso; un ejercicio poético que nos habla de nuestra contingencia y finitud, que nos señala el legado como única vía de supervivencia. La ausencia de esa fotografía fetiche activa un ensayo visual performático que recurre a los mecanismos de la apropiación y del collage para sacar a la fotografía autobiográfica y documental de sus marcos convencionales.

Reconocer / Descubrir

Juan Cristóbal Cobo 
Luz Opaca
Raya Editorial 
2021

El libro de Juan Cristóbal Cobo es un retrato de la vida callejera en la Bogotá histórica. Cuando uno piensa en el centro de una ciudad como Bogotá, se imagina que es allí que se concentran las principales actividades de la urbe. Si bien es cierto, ese también es el epicentro del encuentro de todo tipo de personas, con destinos y vidas muy peculiares. El libro hace un homenaje a la fotografía callejera de Juan Cristóbal que registra con mucha dignidad y humor el aspecto popular, vivo y dinámico de una ciudad tan particular como Bogotá en donde siempre es el caos el que termina imponiendo su ley. 

El autor lo explica muy bien en su texto introductorio. Dice: “hace un siglo, la Carrera Séptima, la principal avenida en Bogotá, estaba rodeada de las casas de las familias más acomodadas. Como en los modelos europeos de la ciudad, la avenida conduce al centro histórico en donde se reúnen, los edificios municipales, la catedral, la plaza de Bolívar, el palacio de justicia y cientos de casas coloniales. Sus tranvías eléctricos eran símbolo de modernidad. Poco queda de esa grandiosidad de la Séptima. La antigua ciudad se redujo a unas cuantas calles después del asesinato del líder político Jorge Eliécer Gaitán en 1948. Quienes no pudieron mudarse hacia el norte emigraron, dejando edificios, cases y calles vacíos. La Bogotá popular se tomó entonces esas calles”. Este cambio lo muestra muy bien Luz Opaca.

Reiterar

Jose Luis Cuevas
Sobre la resistencia de los cuerpos
Chaco & Cabeza de Chorlito
2018

En sus trabajos fotográficos, José Luis Cuevas plantea una aproximación simbólica al cuerpo del hombre como materia vulnerable y efímera, expuesta a su propia naturaleza, pero sobretodo, a un sistema social, económico y político que la erosiona.

Sobre la resistencia de los cuerpos esa obra marcada por recuerdos familiares que marcaron al fotógrafo. “A temprana edad, explica, fui llevado a un hospital adonde mi madre daba a luz a un hermano sietemesino que vivió sólo unas horas al interior de una incubadora. Lo recuerdo como una pequeña masa inmóvil de piel rosada, con los orificios de la nariz y oídos sellados con algodón. Mi padre me pidió que me despidiera con un beso. Aún conservo la sensación de estar besando un plástico suave. Polvo y cenizas era el título original de este conjunto de observaciones. Las imágenes han sido producidas casi en automático, como este ejercicio de escritura.

Durante mi adolescencia, desarrollé la manía de buscar a mi padre por teléfono varias veces al día. Tenía la sensación de que algo le pasaría. Cuando falleció, hace apenas unos años, lo encontré en una sala de urgencias, con la quijada al aire, abierta por un tubo respiratorio que le atravesaba boca y garganta.

Estas y otras experiencias me llevaron a pensar que el cuerpo está siempre expuesto al roce con otros cuerpos. Después de visitar fábricas con la intención de observar máquinas y retratar obreros, decidí salir a buscar personas en la calle y retratarlas en mi estudio. Más adelante, puse anuncios en un periódico y la gente llegaba sola. Los retrataba desnudos, semidesnudos o vestidos con ropa negra. Sesiones de 150 a 300 fotos. El flash le pone los ojos rojos a la gente. Iniciábamos siempre de frente hasta llegar a un perfil y luego al otro. El acto en sí reinterpretaba un sometimiento autoritario. Un registro de desempleados y subempleados dispuestos a mostrarse por una remuneración económica. De algunos retratados obtuve datos específicos que aportan información sobre aspectos vulnerables de sus vidas. Cada retratado representa una persona en carne y hueso. Cada uno con su propia circunstancia.

El libro Sobre la resistencia de los cuerpos es el último título de este conjunto de observaciones. Mi nombre: José Luis Cuevas, hijo de Alfonso y Margarita, mexicano, solo, sin hijos. Al término de este proyecto alcanzaba los 43, en mi país, un número simbólico. La producción de estas imágenes coincide con un largo período de sueños recurrentes en los que, mientras duermo, la sociedad padece escasez, represión, concentración de personas, guerra civil y violencia. Eso es lo que este libro pretende mostrar”.

Las páginas del libro nos confrontan a los cuerpos y permiten tener cercanía con personas retratas de forma directa, con la presencia perturbadora del flash. Este es un libro de cuerpos marcados, la piel, las heridas y los gestos cuentan historias de supervivencia y de lucha por la vida. 

Revelar

Federico Ríos Escobar 
Verde
Raya Editorial 
2021

Verde reúne la labor documental de Federico Ríos fotografiando a la guerrilla de las FARC en las montañas de Colombia en su transición hacia el desarme propiciado por el acuerdo de paz de la Habana. Cuando el fotoperiodista empezó este proyecto tenía una pregunta: ¿quiénes eran las FARC? Desde la firma del acuerdo de paz, el fotógrafo registró la transformación de esta guerrilla a la vida civil, documentando el cotidiano en las selvas de Colombia, registrando las marchas, las tensiones, los amores, los desencuentros asociados al abandono de las armas y reflejando algunas de las dudas que surgieron con la transición de estos grupos hacia la paz.

Verde reúne en más de 350 fotografías tomadas entre 2010 y 2020 el testimonio de una época histórica para Colombia. El diseño del libro hecho por Sebastián López con sus imágenes sangradas y su tono verde tierra, está pensado para generar una inmersión en las selvas Colombianas y recrear un recorrido extenso por el territorio, acompañando a las distintas agrupaciones de las FARC en su proceso de transición hacia la paz.

El libro está pensado como un testimonio visual del fin de la guerra. Sus páginas hablan de la historia desde el cotidiano y expresan la presencia física del territorio con la presencia de un bloque impreso imponente en términos de imagen. En él se pueden ver y sentir el peso de la memoria y la necesidad de contar etapa por etapa, desde el lugar de los hechos cómo se vive el fin de una guerra. El mapa de la cubierta que hace parte de ese recorrido está hecho por Estefanía González. Ahí se registran todos los campamentos y lugares en donde fueron tomadas las fotos. El libro se imprimió en Manizales en Matiz Taller Editorial. Incluye un prólogo escrito por Alejandro Gaviria que habla del valor histórico de las imágenes de Federico Ríos.

Carlos Villalón
Coca la guerra perdida
Auto editado
2019

Angel Unfried describe muy bien en la revista Bakanica, la esencia de este libro de reportaje sobre la compleja historia de la coca en América: “Durante casi dos décadas, el fotógrafo chileno Carlos Villalón recorrió América desde Chile hasta Estados Unidos tras el rastro desigual de la hoja de coca. Desde el valor ancestral hasta la problemática en torno a la adicción, el libro «Coca, la guerra perdida» retrata las múltiples facetas de una planta que ha configurado la historia reciente del continente.

Los cinco capítulos del libro abarcan 73 fotos y todo el continente. La portada sumerge en la selva, la textura da cuerpo a la hoja, las páginas infográficas ubican en el espacio geográfico y en la prolongada línea de tiempo que ha recorrido esta historia. La diagramación sobria, sobre blancos asimétricos, centra la atención en las fotos. Son imágenes cuya diversidad temática y de escenarios es acentuada por los casi 20 años que comprendió el proceso. La edición fotográfica del italiano Fabio Cuttica atenúa los contrastes de la paleta y permite apreciar el diálogo compositivo entre las imágenes: el verde de la selva, los ominosos espacios interiores iluminados con luz amarilla y el blanco de la coca y de la nieve invernal fluyen sin mayores sobresaltos para ceder el protagonismo a los personajes y su contexto.

El principal referente que Villalón tuvo presente desde la concepción de este libro fue Cocaine True, Cocaine Blue de Eugene Richards, un crudo retrato del convulso entorno de la Nueva York junkie y del norte de Filadelfia: los extremos de la adicción, la miseria y la muerte recorren las fotos del libro en blanco y negro. Tomando distancia de Richards, en su libro Carlos Villalón revela lo obvio pero lo complejiza, lo desnuda en escenarios disímiles y muestra una cara esperanzadora en medio del dolor”.

Giulia Iacolutti
Casa Azul
Studio Faganel
2019

Casa Azul es parte de una investigación socio-visual sobre las historias de vida de cinco mujeres trans presas en uno de los penales masculinos de la Ciudad de México. El libro muestra el proceso de construcción identitaria y las prácticas corporales de estas personas cuyos cuerpos son considerados abyectos tanto por su identidad como por la condición de aislamiento. Obligadas a usar ropa azul, como todos los internos, estas mujeres llaman a la prisión ‘la casa azul’, en alusión también a la constricción que sienten en sus cuerpos masculinos.

Un libro de texto de biología de la década de 1990 encontrado por el autor en prisión, desencadenó un paralelismo en el proyecto con las ciencias biológicas que reconocen a la célula como la unidad básica de la vida. Así, las fotografías impresas en cianotipia -técnica milenaria caracterizada por el color azul de Prusia- se combinan con fotografías microscópicas de células prostáticas sanas tratadas en rosa. Si el azul evoca apariencia e identidad impuesta, el rosa remite a interioridad, ser y autodeterminación.

La reducción a dos colores, recordando un antiguo estereotipo de género, permite por un lado narrar de forma directa y esencial la división y lucha interior que viven las reclusas, por otro plantea algunas preguntas al espectador, sobre la costumbre de simplificando, explicando y etiquetando individuos con solo dos colores.

Casa Azul fue publicado por Studiofaganel, una galería de arte especializada en fotografía contemporánea fundada por Sara Occhipinti y Marco Faganel en 2011, con sede en Gorizia.

Sumar

Henry Salazar
Blueprints
Calipso Press
2018

Blueprints es el más arquitectónico de la muestra. Editado por el taller de impresión Calipso Press con el método de la risografía, el libro retoma la historia de la influencia que Le Corbusier pudo tener en Tumaco,  una población de la costa Pacífica, al suroeste de Colombia. Si bien el arquitecto nunca estuvo en esa región del mundo, sus ideas y utopías modernistas alcanzaron a pisar el territorio en forma de blueprints que sirvieron para la construcción de las casas modelo del proyecto Tumaco.

Blueprints es el término utilizado para denominar los planos de arquitectura o dibujos técnicos de diseño y debe su nombre a la técnica de cianotipia, un proceso de impresión ya en desuso similar al revelado de una fotografía que produce imágenes blancas sobre un fondo azul.

El libro contiene 19 cianotipias de registros fotográficos que Henry Salazar hizo de una de las edificaciones que hasta final del 2018 seguían en pie del proyecto piloto. Con este proyecto editorial Henry obtuvo el estímulo de la Alcaldía de Cali en 2017.

Guadalupe Ruiz
Lupita, I’ve kept you an apricot on the tree.
I’ve told it to wait for you.
Kodoji Press
2018

En su reseña, Noëlle Revaz escribe: El Libro de Guadalupe Ruiz Lupita, I’ve kept you an apricot on the tree. I’ve told it to wait for you. (Lupita, he guardado un albaricoque en el árbol para ti. Le he dicho que te espere) es una historia para niños y para sus padres. Su pequeña publicación lleva a un joven lector por las calles de una ciudad desconocida y descifra lo que puede estar pasando, desde su perspectiva, en las imágenes. También es una forma de que Ruiz transmita su propia experiencia infantil a su hijo y lo involucre en la tradición de la correspondencia familiar: el título del libro es una línea que la abuela de la artista le escribió cuando era niña.

Guadalupe Ruiz es una fotógrafa y artista nacida en Bogotá, Colombia, que vive en Suiza desde hace casi dos décadas. Su trabajo combina hábilmente la observación y la antropología. El interés continuo de Ruiz en temas relacionados con la inmigración adquirió una nueva perspectiva personal con el nacimiento de su hijo Octavio. ¿Cómo podía contarle sobre el lugar donde creció? Las fotografías del libro son imágenes que Ruiz encontró en sus pertenencias y muestran la ciudad de Bogotá como la conocía y desde entonces. Octavio, su hijo, no conoce este lugar, y la ciudad ha ido evolucionando en las últimas décadas. La narración, escrita por Noëlle Revaz, es en parte explicación, en parte narración, en parte imaginación de lo que las imágenes podrían significar. La ciudad es vista por diferentes generaciones mientras la leen y descifran para los jóvenes.

Superponer

Alma Sarmiento
Atlas o libro de los segundos
Enciclopedia del tiempo y el collage
Tomo I
Jardín Publicaciones
2019

El Atlas o libro de los segundos es un anti-catálogo. Las planchas de este Atlas de los segundos son móviles, no hay un índice fijo: lectores y lectoras están invitadas a construir e inventar sus propias condiciones de lectura y a practicar así́ una forma de montaje o de edición. Este libro-atlas-enciclopedia es el prototipo de una máquina para explorar el tiempo, desfamiliarizarnos de él, desfuturizar nuestras angustias y reinventar el porvenir.

El collage —técnica y personaje principal de este proyecto— tiene la particularidad de permitir la coexistencia de temporalidades heterogéneas en un mismo tiempo y espacio. El libro de la artista Alma Sarmiento fue ganador de la Beca para proyectos editoriales independientes en Artes Plásticas del 45 Salón Nacional de Artistas.

Cazadores de faisanes
Remanente 4 
Gráficas Molinari
2019

Gráficas Molinari fue un taller de gráfica popular fundado en 1952 por el español Antonio Molinari en Cali, Colombia. Desde la década 1950 y hasta finales de los 80 la empresa, ubicada cerca de la Plaza Caicedo en Cali, reprodujo imágenes religiosas, mitológicas, de género, retratos, farándula, bodegones y paisajes a través de cromolitografías, una técnica de impresión que permite un color vívido e inusual dado el empleo de más de cuatro tintas y gamas especiales. Las láminas se comercializaban por todo el país convirtiéndose en objetos populares que hacen parte de la memoria colectiva.

José Ruiz, el artífice y veedor de este archivo de imágenes ha convertido a Gráficas Molinari es un proyecto de investigación y creación sobre el desarrollo, circulación y usos de la gráfica popular en Latinoamérica. Cada año invita a artistas, diseñadores, curadores, publicistas, historiadores, sociólogos o cualquier interesado a utilizar las imágenes producidas por esta imprenta en sus proyectos.

Remanente es la revista que se produce como resultado de esos diálogos. El número cuatro parece importante porque hace uso de la fotografía como material de archivo para contar la historia de los cazadores de faisanes y cómo se los veía en la sociedad colombiana de la época. De esa revista se publicaron 300 ejemplares en 2019. La editora fue Claudia Leal quien trabajo en asociación con Natalia Gutiérrez. El Diseño gráfico estuvo a cargo de José Ruiz. Lo interesante de esta revista es que se muestra como un proceso de estudio de la imagen. En ese número colaboraron Nicolás Martínez, Ivonne Restrepo, Alejandra Tisnés, Alejandro Montoya, Juan Pablo Fajardo, Sebastián Múnera y Christian Bonet.

Usted nunca ha visto algo así 
Piedra tijera papel 
2021

Usted nunca ha visto algo así es a la vez un libro arte lleno de referencias visuales cruzadas, una investigación sobre historia de la gráfica en Colombia, un espécimen tipográfico y un deleite visual. Aparte de eso, incluye dos tipografías originales para descarga (gratis) que hacen parte de la Familia tipográfica Avante PTP y un facsímil del mítico cómic La gran mancha roja, una publicación de 1949 producida durante el gobierno de Mariano Ospina Pérez en la cual se da una visión muy particular sobre el Bogotazo, el evento que marcó un cambio en la historia de Colombia por el asesinato del líder Jorge Eliecer Gaitán y el inicio de la Violencia.

Este es sin duda un libro que juega mucho con las referencias de la historia gráfica del país yuxtaponiendo épocas, estilos y géneros de una forma bastante creativa. Un lector atento podrá reconocer las innumerables representaciones furiosas de las revueltas y asonadas, ilustrada por el artista italiano Rinaldo Scandroglio entre las páginas.

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