El fanzine Zine #02 recoge fotografías de una película de 8 mm hecha por Hiroko Komatsu titulada «The Execution of Personal Autonomy» (La ejecución de la autonomía personal), que se exhibió en la Galería AlphaM en 2017. Es muy interesante que la documentación de su trabajo se refleje en sus fotografías, como si hubiera un ciclo de constante retroalimentación. Sus elaboradas instalaciones reflejan sus imágenes de obras en construcción, fotos e imágenes apiladas, al borde del colapso.
Este fanzine forma parte del Flotsam Books Zine Tour, que reúne una colección de fanzines. Según Hiroko Komatsu, el fanzine fue producido por ella. El diseño de la portada se hizo sobre una impresión montada en seco que se ha realizado imprimiendo en papel fotográfico, utilizando la técnica del fotograma a partir de una película de 8 mm.
PUNTO DE FUGA quiso conversar con su creadora para entender mejor cómo la experimentación fotográfica se puede plasmar en formatos experimentales y de bajo costo como el del fanzine.
Conversación
L.C: Hiroko, he estado siguiendo tu trabajo y, por alguna razón, siempre me ha fascinado. Debe haber algo en la materialidad de la fotografía en sus formas abstractas y en la forma como la exhibes que me hace pensar que tu acto de fotografiar es como una performance constante. ¿Puedes contarme más sobre tu trabajo en general, la forma en que experimentas con la fotografía y si hay algo permanente o constante detrás de tu proceso creativo?
H.K.: Agradezco tu interés en mi trabajo. Al principio de mi carrera, dirigí un espacio temporal llamado «Broiler Space» durante un año, dedicado a la experimentación y la práctica expositiva, en el que hacía una nueva exposición cada mes. Era tan desconocido que pocas personas veían estas exposiciones.
En ese lugar, realicé un ciclo de experimentación que consistía en fotografiar-imprimir-exponer las imágenes más de diez veces. Estuve un año viviendo este proceso, fotografiando una semana, preparando la exposición en otra semana y permaneciendo en el espacio para mantenerlo abierto durante dos semanas. Fue muy difícil. Siempre probaba una idea nueva en esta pequeña exposición para ganar experiencia antes de exponer en lugares más grandes, como galerías o museos.
L.C.: Quizás sería importante para nuestros lectores conocer mejor tu trayectoria, cómo, proyecto tras proyecto, tu visión y tu trabajo con la fotografía han planteado cuestiones personales y una interpretación sobre este proceso creativo y sobre lo que la fotografía significa para ti. ¿Podrías contarnos más sobre esta línea de acontecimientos y compartir algunas de las ideas que te han surgido al publicar, exponer o crear?
H.K.: Tras esta experiencia, ahora confío en mi capacidad para crear un espacio expositivo. Sin embargo, el número de visitantes que vienen a este tipo de espacios expositivos es muy limitado. Por esa razón pensé que los materiales impresos podrían serían útiles para dar a conocer mi trabajo a un público más amplio. Hace mucho tiempo, cuando hablé con el editor de una revista de fotografía, me dijo que no tenía ni idea de cómo publicar y presentar una obra como la mía en una revista. Naturalmente, la revista no publicó mi trabajo.
Sin embargo, pienso que el espacio de una sala de exposiciones es diferente al de un libro. Desde entonces, estoy intentando desarrollar una metodología única que se diferencie de los fotolibros existentes.
L.C.: En ese sentido me parece importante que hablemos del lugar que ocupan los fanzines y los libros en tu vida como fotógrafa. ¿Por qué decidiste usar tanto fanzines como libros? ¿Qué representan para ti? ¿Qué has aprendido de las siete (o más) publicaciones que has producido hasta ahora?
H.K.: Para empezar con mis experimentaciones, creé un libro de arte. Quería crear un libro con papel fotográfico Barayta porque para mí es importante incorporar este tipo de papel en mis instalaciones. Encuadernar imágenes a doble cara con papel fotográfico Barayta es un gran reto, por lo que nadie más lo ha intentado. Sin embargo, tras numerosos prototipos, el libro cobró forma como una obra cohesiva.
A diferencia de estos libros de arte, cuyo desarrollo requiere tiempo, los fanzines experimentan ideas a un ritmo rápido y desenfadado. Sin embargo, ambos son artesanales, por lo que solo se puede producir un número limitado de ejemplares. Es similar a la comparación entre una exposición en un museo y una en un «Espacio de Broiler».
L.C.: No había pensado nunca en el aspecto experimental de la producción de los libros de arte. Al ser objetos tan elaborados y artesanales en su proceso de fabricación pensaba que el perfeccionamiento de la obra era algo intrínseco al formato sin entender que había un proceso de búsqueda detrás.
Me pregunto si esos libros o fanzines se crearon en colaboración con otros: editores, diseñadores, autores de libros. Me parece más que nunca que un libro es un proceso colectivo. No siempre lo reconocemos, ya que parece evidente y quizás también banal. Pero debe haber un proceso experimental personal, así como un paso más colaborativo en la creación de esos libros. Algunos son zonas, otros son catálogos y otros son fotolibros, lo que dificulta exponer esta información con un solo argumento.
Pero ¿qué nos puedes contar sobre el proceso editorial, la creación del fanzine: su concepto, su maquetación, su fabricación? En este proceso de creación, el arte y la experimentación pueden aparecer en varios momentos. Cuéntanos sobre tus experiencias editoriales y comparte con nosotros anécdotas de los libros, fanzines o catálogos que han sido más importantes para ti.
H.K.: Hasta ahora, he hablado de libros de arte y fanzines que he creado. Pero por otro lado, cuando se publican mis obras, participan muchas personas, como editoriales, diseñadores y editores. No he tenido muchas oportunidades de colaborar en este sentido, pero siempre he tenido la suerte de trabajar en publicaciones con personas que conocen a fondo mi trabajo. Por lo tanto, solo proporciono fotos, imágenes y texto, y les dejo el diseño y la edición. A veces me sorprende y me solidarizo con su interpretación de mi trabajo cuando veo el producto terminado. Su inspiración podría influir en mi trabajo y generar retroalimentación. Pienso por ejemplo en Medeia 2.0.
L.C.: Hablemos de este último fanzine. Me encantan las fotografías que contiene y me preguntaba no solo qué significan para ti, qué expresan, sino si sientes que has heredado algo de Provoke o de cualquier otra corriente fotográfica japonesa, o si creas desde una experiencia más libre y genuina.
H.K.: Siempre fotografío en zonas industriales, obras de construcción y lugares similares. Llevo casi 20 años fotografiando y nunca he visitado el mismo lugar para una sesión. Este paisaje demuestra claramente que Japón es un país industrializado. Tengo poca influencia de Provoke u otras corrientes fotográficas japonesas. Pero sí me han influenciado muchos artistas japoneses cuyas obras he visto, en particular aquellos que utilizan la fotografía, como Ei-Q y Kunie Sugiura. Por otro lado, prefiero el trabajo de fotógrafos como Lewis Baltz, Lee Friedlander y Michael Schmidt.
L.C.: La escena fotográfica experimental japonesa está muy viva hoy en día. Me gustaría preguntarte qué opinas sobre la escena experimental en la fotografía japonesa actual. ¿Quiénes son los fotógrafos que crean esas imágenes? ¿Cómo describirías este panorama? ¿Existen diferentes enfoques hacia el medio, los estilos o los lenguajes que puedas describirnos?
H.K.: Hay fotógrafos prometedores trabajando en la escena japonesa de la fotografía experimental. Entre ellos, he estado siguiendo de cerca las actividades de Nozomi Suzuki.
L.C.: Sin mencionar la fotografía japonesa reciente que ha sido presentada en Arles en la exposición I’m So Happy You Are Here Japanese Women Photographers from the 1950s to Now, que nos da un panorama más amplio de cómo las mujeres han ido abordando el medio en japón.
Volviendo al tema de tu más reciente publicación, es cierto que el fanzine parece más rústico que un libro, es un poco más polvoriento y, en cierto modo, más experimental porque su bajo costo, su proceso impreso y su aspecto rústico lo permiten. Imagino que también esa idea del proceso artesanal y el uso de materiales de bajo costo tienen mucho que decir sobre este proceso. Con este formato nos podemos permitir cometer errores, hacer ensayos, emprender una búsqueda visual, en la textura y en la imagen que queremos obtener. El hecho de que se pueda contar con la pérdida de material hace que se multipliquen las posibilidades artísticas. ¿Forma parte el fanzine de un proceso más amplio con las imágenes? ¿Surge como una extensión de una exposición, una performance o algo más? ¿Cómo se difunde?
H.K.: Sí, eso creo. Así como experimenté con exposiciones en 2010-11, estoy experimentando con el fanzine. Mi objetivo es conectar el proceso de creación de un fanzine de este tipo, en el que se da forma a ideas fragmentadas, con el desarrollo de una metodología única que se aleja de las colecciones de fotografías existentes. En mi opinión, no creo que una sola fotografía cuente una historia. La acumulación de muchas fotografías teje una historia, pero al mismo tiempo, se desvía del significado y la arruina. Es algo que me interesa mucho.
Web.
Instagram
@komatsu_hiroko
Entrevista
Biografía
Hiroko Komatsu, fotógrafa. Nació en la prefectura de Kanagawa en 1969. Desde su debut en 2009, ha realizado exposiciones individuales y ha participado en exposiciones colectivas a nivel nacional e internacional. De 2010 a 2011, dirigió su propia galería, Broiler Space, y realizó exposiciones individuales mensuales. En 2017, recibió el 43.º Premio Ihei Kimura.
Entre sus exposiciones individuales más destacadas se encuentran:
The Execution of Personal Autonomy (2017, Galería α M, Tokio, Japón), Sincerity Department Loyal Division (2021, die Firma, Nueva York, EE. UU.), CREATIVE DESTRUCTION (2022, Museo Davis del Wellesley College, Massachusetts, EE. UU.) y Komatsu Hiroko: Second Decade (2022, Galería Joseloff de la Universidad de Hartford, Connecticut, EE. UU.).
Entre sus exposiciones colectivas más destacadas se encuentran:
6.º Fotofestival – Mannheim Ludwigshafen Heidelberg (2015, Festival de Fotografía Alemán), EL PODER DE LAS IMÁGENES (2017, MAST, Bolonia, Italia), DECODE/Eventos y Materiales, La obra de arte en la era de la sociedad postindustrial (2019, Museo de Arte Moderno, Saitama, Japón), I’m So Happy You Are Here: Fotógrafas japonesas desde la década de 1950 hasta la actualidad (2024, PALAIS DE L’ARCHEVÊCHÉ, Arlés, Francia). Publicada en Medeia 2.0, número 04:
Hiroko Komatsu (2023, Indigo).
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