Sana Sana es un proyecto fotográfico y un fotolibro que habla de un viaje hacia la curación que va del interior al exterior y del lento y delicado proceso de recuperación de las heridas emocionales.
En Latinoamérica las palabras Sana que Sana / Colita de rana, se repiten como un mantra. La canción continúa con las siguientes frases Si no sanas hoy / Sanarás mañana. Estos versos están tomados de un canto popular sudamericano que entonan las madres para consolar a sus hijos cuando se hacen daño. La canción está asociada a pequeñas caricias y tiernas expresiones de afecto que las mamás y los papás les demuestran a los niños que se recuperan de una pequeña herida. Una simple canción se convierte en un ritual, nacido del amor, y sus palabras han adquirido una creencia mágica: si repites estos versos en voz alta, empezarás a sanar.
Documentando un rito chamánico hacia la curación emocional y el crecimiento personal, las imágenes de este libro danzan entre las sutilezas de lo cotidiano y aportan al espectador la reconfortante sensación de un ritual de curación que transcurre por un camino intrincado y a menudo áspero como la roca, con presencia de zonas de sombra, donde se oculta la causa de los problemas y la clave para resolverlos. Sanarás mañana, se repite a sí misma, y ya no habrá motivos para vivir esta «triste melodía».
PUNTO DE FUGA descubrió la obra de Rosa Lacavalla en una sesión de lectura ideada por Mafalda Ruão, durante el último Fotofestiwal de Polonia en 2024. Su conexión con las tradiciones populares latinoamericanas se hizo interesante y decidimos entablar una conversación con ella para conocer cómo estas canciones para niños podían ayudar a construir un proyecto fotográfico y un libro.
Entrevista
P.D.F.: Rosa, me llamaron la atención las dos primeras páginas de Sana Sana, el proyecto de fotolibro que me enviaste. Vemos un collage de diferentes dibujos con un par de manos, algunas hojas, flores y piedrecitas. Cada una de estas imágenes tiene una pequeña leyenda con un número como este: fig 1, fig 2, y así sucesivamente. La textura del fondo y su suave color verde nos hace pensar en el poder curativo de algunas plantas y en el poder simbólico utilizado por los curanderos tradicionales de América Latina. Por el colofón sabemos que las ilustraciones fueron realizadas por Cecilia Ferri. Pero, ¿cuál es el significado de estas imágenes y por qué incluir estos dibujos en la historia de un fotolibro como este?
R.L.: Durante años he estado rodeada de artistas que trabajaban con diversos medios, como el grabado, la serigrafía y la ilustración, disciplinas que también estudié en mis primeros años universitarios. La elección de utilizar dibujos para mi proyecto fue natural. Quería añadir un nuevo diálogo poético a la historia. Sentí la necesidad de extraer ciertos elementos de mis fotografías y trasladarlos a la cubierta.
Me pareció que las ilustraciones debían ser creadas con una técnica específica por Cecilia Ferri, ilustradora de talento y querida amiga. Hemos compartido muchas experiencias juntas, conocía bien su estilo y confiaba plenamente en su visión. Le pedí que seleccionara libremente elementos de las fotografías, siempre y cuando se incluyeran la rana y la mano vendada. Utilizó una combinación de colografía y calcografía experimental no tóxica.
Cada elemento tiene un significado simbólico, que representa conceptos como la fragilidad de una herida y su proceso de curación, la profundidad de una cueva y la experiencia transformadora de atravesar un bosque. El higo chumbo, símbolo de perseverancia y utilizado por sus propiedades medicinales, y el cardo, asociado a la disuasión de las energías negativas y la soledad, también ocupan un lugar destacado. La rana, figura central de la canción y clave para entender toda la obra, representa la adaptación, por su capacidad de vivir tanto en el agua como en la tierra.
La serie fotográfica me sirve como una especie de «curandera», incorporando elementos visuales que resultan tener un significado medicinal.
P.D.F.: La primera parte de la secuencia es bastante sorprendente, ya que vemos los retratos de jóvenes y sus cuerpos con pequeñas heridas, como si se hubieran caído, pero estas imágenes están interconectadas con fotografías de determinadas formaciones rocosas. Por cierto, me encanta el aspecto granulado de todas las fotografías. Dinos, ¿por qué decidiste hacer esta fuerte asociación entre cuevas y niños pequeños recuperándose de una caída o de pequeñas heridas?
R.L.: La obra ahonda en el crecimiento personal, la curación y las heridas emocionales, que se desencadenan luego de una ruptura. El camino hacia la resolución no es sencillo, lo imagino áspero, como la roca. Las imágenes ruidosas crean una perturbación visual que puede transmitir ciertos sentimientos. Dentro de la cueva, nos enfrentamos a nuestros miedos, inseguros de lo que nos espera en su oscuridad. Sin embargo, apilar diferentes piedras puede provocar una sensación de equilibrio y estabilidad. Así, el elemento que inicialmente nos intimidaba, visto desde una perspectiva diferente (y que persiste a medida que pasamos las páginas), no es otra cosa que la solución que buscábamos. Aunque conocí la canción de adulta, en los países latinoamericanos «Sana que Sana» se canta tradicionalmente a los niños cuando se hacen daño. No fue una elección fácil, pero creí que la combinación de estos elementos evocaría inmediatamente tensión y un nudo en la garganta o en el estómago, que se resolvería a través del viaje esbozado en las páginas del libro.
P.D.F.: Antes de llegar al título, esta pequeña secuencia de imágenes es como la apertura de una novela, da las primeras pistas de lo que vamos a ver. Me sorprendió el hecho de que los retratos muestren a niños pequeños con expresiones faciales curiosas. Cuando éramos niños, todos experimentamos esta extraña situación en la que los momentos de juego podían asociarse a una caída y luego al proceso de curarse y seguir jugando. Estos niños parecen sonreír y llorar al mismo tiempo. ¿A qué se debe? ¿Cómo conseguiste retratarlos en estas situaciones?
R.L.: Rara vez se consigue la edición pasando directamente del blanco al negro. En lugar de eso, es esencial navegar a través de varios tonos de gris. Esto implica experimentar tanto picos de emociones positivas como negativas, esforzándose por alcanzar el equilibrio entre las imágenes. Los sujetos de mis fotografías se encuentran a menudo en este espacio liminal entre la alegría y la tristeza, para volver pronto al juego. No oculto que una de estas expresiones es el resultado de las cosquillas. Como fotógrafa freelance que interactúo a menudo con estos protagonistas, me he encontrado a menudo con este tipo de situaciones, en este caso concreto sin hacer reconocibles los rostros al centrarme en este tipo de detalles.
P.D.F.: Después de llegar al título, la secuencia se vuelve más elusiva. La presencia de niños es esporádica y va dejando cada vez más lugar a los paisajes y retratos de animales tumbados sobre la hierba. El folio se convierte en una especie de invitación a explorar un territorio, a pasear en busca de esos lugares misteriosos que nos resultan ligeramente dramáticos pero muy familiares, ya que están presentes en nuestra vida cotidiana. Vemos un perro cogiendo un trocito de madera, una ventana rota, nidos de pájaros, flores y bosques, una pequeña durmiendo y la mano derecha de una niña que actúa nerviosamente. ¿Cuál es el significado de esta composición? ¿O cómo construiste esta secuencia de imágenes?
R.L.: Como he mencionado antes, la curación no es instantánea. Es un proceso agridulce, triste y alegre, que debe explorarse exhaustivamente. Cada elemento desencadena una reflexión, un recuerdo, un dolor, un hechizo, una experiencia. Como he señalado, los lugares representados, aunque desconocidos para el observador, le resultan familiares, y creo que ésta es una información crucial. Cualquiera que lea el libro puede hacer suya la historia, encontrando algo que le resulte familiar en los elementos fotografiados.
Hablo en particular de la secuencia de la mano que actúa nerviosa. Aquí no se trata de una niña, sino de mi propia mano. Es el único momento en el que estoy físicamente presente en el libro. A través de este trabajo, me he dado cuenta de muchas cosas, incluidos pequeños detalles significativos. Por ejemplo, me rasco compulsivamente la piel de las uñas, a veces hasta el punto de sangrar. Me di cuenta de que lo hago inconscientemente en momentos de estrés y ansiedad intensos. Ahora, es una señal de alarma que me recuerda que debo volver a un estado de calma.
Toda la secuencia pretende diseccionar qué genera esa tensión y cómo se pueden capturar esas ansiedades acumuladas, encapsularlas en imágenes fijas y liberarse de ellas alternándolas con momentos de tranquilidad. Es como si encerrar los pensamientos en fotografías fuera la única forma de acallarlos.
P.D.F.: Hay mucha inocencia en este proyecto. Junto con las manos empieza a sonar el canto de sanación. Está escrito en pequeñas secuencias como si fuera un poema y un ritual por el que tenemos que pasar mientras lo leemos. ¿Cómo llegaste a esta idea brillante y lúdica del libro?
R.L.: Desde el primer momento en que escuché la letra de esta canción de cuna, sentí el poder oculto dentro de las rimas. Era como si fuera algo mágico. Empezó como un juego, como si una de las niñas que aparecen en las fotografías la estuviera escuchando. Y luego, poco a poco hice mía esa rima, convirtiéndola en un mantra que me repito a menudo y que escribo en todas partes para no perderla de vista.
Quería transmitir la sensación de tener que escuchar la rima una y otra vez. Cuando revelé la maqueta, asistía a la clase magistral del PhMuseum sobre la creación de fotolibros. Allí, Tommaso Parrillo me dijo que había imaginado las fotografías y el texto juntos como si estuvieran flotando dentro de las páginas. Tras varios intentos, centrándome en una serie de imágenes tan distintas y en la musicalidad de cada palabra, conseguí un resultado que parecía transmitir mejor el significado que tenía toda la historia para mí.
P.D.F.: Después de encontrarnos con este canto que los papas y las mamas nos cantaban cuando nos caíamos para hacernos olvidar el dolor y ayudarnos a curarnos más rápidamente, vemos algunas imágenes que muestran lo importantes que son para nosotros estos rituales de curación y lo anclados que están en nuestra vida cotidiana. Me gustan las asociaciones que creas entre los paisajes que intervenimos y las piedrecitas que acumulamos en el camino cuando vamos andando. La presencia de la casa en ruinas y el pequeño nido de pájaros construido por un ser humano que no está terminado del todo pero que sirve para que un pájaro construya su nido. Cuéntenos más sobre el lugar que visitaste. ¿Dónde se encuentra? ¿Cuál es tu relación con este lugar?
R.L.: Siempre sonrío cuando la gente me hace esta pregunta. La verdad es que no hay un único lugar, sino muchos. Como se trata de un viaje interior, no quería centrarme en un lugar concreto. Durante mis viajes, llevo conmigo todo lo que siento, así que las fotografías se tomaron en varios países. El libro incluye varias localizaciones italianas, así como viajes a Argentina, Portugal y Suiza. Como pequeñas piedras, he ido recogiendo elementos y paisajes que encontraba por el camino. Es parecido a los mojones que se utilizan en las zonas montañosas para marcar el camino cuando no hay árboles ni otros puntos de referencia, guiar a los viajeros y evitar que se desvíen.
P.D.F.: Así que fuiste creando un paisaje interior propio. La edición está muy bien lograda porque no se notan las diferencias entre una y otra imagen. En cuanto a algunas imágenes del libro, veo que el folio tiene algunas fotografías de árboles impregnados de luz. Esta luz parece añadida artificialmente y a veces nos ciega. ¿Cuál es el significado de la luz en estas imágenes?
R.L.: La luz se añade artificialmente dentro del paisaje, pero no se trata de una fotografía escenificada o de un aporte de la posproducción. Son encuentros reales con instalaciones de luz que he encontrado en mis viajes. El efecto puede ser fuerte. A veces, la luz es cegadora, casi violenta, en otros momentos revela un brillo suave e hipnotizador. Su simbolismo es polifacético.
Por un lado, la luz abrumadora podría representar «un problema con el sol», como una incapacidad metafórica para «ver» el camino a seguir. Sin embargo, una interpretación diferente surge de una canción que no deja de sonar en mi cabeza: «Sé amable, deja entrar la luz. Con el tiempo, deja entrar la luz». Esta letra resuena como una invitación a salir de la oscuridad, a abrazar el autocuidado y permitir que la luz te guíe hacia adelante.
P.D.F.: Luego está el mar y la presencia de algún desierto salado. Vemos a dos niños jugando. ¿Se trata de una historia familiar? ¿Cómo es posible que un paisaje tan árido o salvaje se convierta de repente en habitable por la presencia de estos niños?
R.L.: Durante las visitas guiadas a la exposición, la gente hojeaba las imágenes o el libro, me di cuenta de que esta obra puede tener una amplia resonancia. A alguien le evocó recuerdos del mismo canto que su niñera le cantaba durante la infancia, pero cuya letra había olvidado. Otros me pidieron que repitiera el canto, que lo transcribiera con una traducción o que lo compartiera con sus amigos.
No es una historia familiar, sino mi propia historia, y al mismo tiempo también la de muchas otras personas que sienten una conexión con la narración. Crecí con la idea de que las heridas se curaban al sumergirlas en agua de mar. Así, una inmensa extensión de sal se convierte en el destino del viaje. La sal en las heridas abiertas escuece, intensifica el dolor, pero al final conduce al alivio. Además, cuando visité aquel desierto salado, me sentí abrumada por la intensa luz que emite. Esto me dio una comprensión más profunda del poder curativo de la tierra.
P.D.F.: Quisiera que hablaras del texto incluido en este libro. Fue escrito por Beatriz Pichi Malen. En el texto hay una descripción muy poética de cómo sanar apelando a la naturaleza, con todo lo que nos ofrece, espiritual y físicamente hablando. ¿Quién es Beatriz y por qué consideraste importante incluir sus palabras en este folio?
R.L.: Siempre he sentido que este trabajo tenía que concluir con una fuerte conexión con Sudamérica, especialmente con Argentina. Este país me llevó a la canción que inspiró este viaje personal. Para cada proyecto, creo una lista de canciones que escucho repetidamente para entender lo que quiero transmitir.
“Canción Para Dormir A Uno Niño”, la canción de cuna de Beatriz Pichi Malen resonó profundamente en mí. Me fascina con locura. Es una cantautora mapuche Argentina. Su música celebra la poesía, la visión y la fuerza de la cultura de su pueblo. Canta en mapudungun, una lengua que los mapuches consideran la «lengua de la tierra». Su conexión espontánea con la naturaleza, la luz de la tierra y la espiritualidad de su cultura encajaban perfectamente con mi visión, creando la dimensión mágica que tenía en mente.
Superé mi timidez y me puse en contacto con Beatriz, proponiéndole que escribiera un texto para el libro. Le di total libertad, compartiendo el enunciado y las imágenes. Su contribución es una hermosa oda al poder curativo de la tierra.
P.D.F.: Voy a dejar que los lectores descubran ese texto al acercarse al libro. Así no rebelamos todo lo que contiene. Hablemos del montaje y del diseño. Hiciste el libro con la colaboración de Tommaso Parrillo y Rocco Venezia. El diseño gráfico fue tuyo y de Giulia Boccarossa. ¿Cuáles son las diferencias en términos de elección entre el montaje y el diseño? ¿Cuáles son los aspectos más relevantes que tanto la edición como el diseño añadieron al folio que presentas?
R.L.: Cuando empecé a colaborar con Tommaso y Rocco en el montaje, el proyecto aún estaba en proceso. Estaba perdida en mis propias imágenes. En ese momento era incapaz de discernir una dirección clara. Ambos fueron de una ayuda fundamental para hacerme comprender los elementos que faltaban. Muchas imágenes ya eran bastante oscuras e intensas, así que necesitaba añadir otras nuevas, crear más respiro a lo largo de las páginas y proporcionar más espacio para que el ojo del lector descansara entre ellas.
Mientras continuaba mis viajes, busqué los componentes necesarios y, una vez encontrados, el proceso de edición fluyó más suavemente, adquiriendo un significado más profundo tanto para mí como para el público.
Cuando encontramos la solución para la secuencia, Giulia me llevó a redescubrir la obra desde un nuevo punto de vista. Su sugerencia de enfocar el maniquí como un libro de medicina, dado el tema de los cuidados, me llevó a una nueva perspectiva. Profundicé en la investigación sobre ilustraciones científicas, portadas y gráficos de libros de medicina antiguos. Combinando estas referencias y comentarios con las ilustraciones de portada mencionadas anteriormente, el resultado es una coexistencia de elementos poéticos y científicos, gracias a la ayuda de Giulia, que también sugirió añadir el significado de los dibujos al final. Razón por la cual el texto de Beatriz, al final del libro, visualmente casi recuerda a un breve tratado científico, pero impregnado de profunda poesía.
P.D.F.: La primera maqueta de este trabajo ha sido desarrollada durante la Masterclass de Fotolibros en Línea FOLIO 2022/23 PhMuseum. Sabemos que para esta maqueta decidiste utilizar la tipografía ABC Diatype, que elegiste Fedrigoni Arena Natural Rough 140g y Fedrigoni Materica Verdigris 250g para el papel y que encargaste a Faservice (en colaboración con Fonderia 20.9) la impresión y encuadernación. ¿Puedes contarnos algo más sobre la experiencia de convertir este folio en un libro físico? ¿Cuáles son los aspectos del libro que más apoyan el concepto de la historia que quieres compartir con nosotros?
R.L.: Si no hubiera asistido a la clase magistral en línea, probablemente seguiría estancada en el mismo lugar, buscando una salida. Para mí, Sana Sana tenía y tiene que ser un libro, para que cualquiera pueda disfrutarlo a su ritmo y siempre que sienta la necesidad. Como ya he dicho, Tommaso, Rocco y Giulia fueron de gran ayuda para plasmar mis ideas en un formato editorial. Además, Giulia sugirió el tipo de letra para transmitir el toque científico del que les hablaba.
La elección de Fedrigoni Materica Verdigris para la cubierta evocaba al mismo tiempo una conexión con la naturaleza y coincidía con el tono de verde encontrado en algunos libros antiguos de medicina que descubrí durante mi investigación. El papel Fedrigoni Arena Natural Rough del interior proporcionaba el tacto natural y áspero que buscaba, al tiempo que mantenía la suavidad de las fotografías. Francesco Biasi, de Fonderia 20.9, supervisó el proceso de impresión y encuadernación con Faservise.
Creo que todos los que participaron y colaboraron, incluidas también Cecilia y Beatriz, desempeñaron un papel crucial en la creación de toda la maqueta. Por supuesto, si hubiera una oportunidad de publicación, estaría abierto a nuevas colaboraciones para elevarla al siguiente nivel.
P.D.F.: Gracias.
R.L.: Gracias a ti.
Biografía
Rosa Lacavalla (1993) es una fotógrafa y artista visual italiana afincada en Bolonia. Es licenciada en Arte Gráfico y tiene un máster en Fotografía por la Academia de Bellas Artes de Bolonia, además de un año de estudios en el programa de Licenciatura en Fotografía de la Universidad de Coventry en el Reino Unido y unas prácticas en el colectivo Cesura. Su obra ha aparecido en varias publicaciones impresas y en línea, y se ha expuesto en muestras colectivas e individuales en Italia y en el extranjero. Es una de las artistas nominadas por Der Greif para el programa FUTURES 2024.
Las narrativas visuales de Lacavalla se desarrollan como viajes transformadores, ya sea una búsqueda personal de sanación emocional o una exploración de las intersecciones culturales y las migraciones. Navegando por las complejidades de la experiencia humana, sus obras invitan al espectador a reflexionar sobre los intrincados caminos de la curación, la transformación y las difusas fronteras entre la realidad y el sueño.
PUNTO DE FUGA 